polizonte en la nave de los locos

Si hubo forma de encontrarnos, si hubo forma de unirnos…

2011-12-17T12:26:00.000-08:00

Hay calles que dan forma a nuestra memoria, calles que de tanto andar son incluso un poco nuestras, con todo lo que las rodea y las habita: librerías de usado, franquicias transnacionales de comida rápida, talleres de chapuces, salas de cine con pantallas 3D, desvencijados locales de lectura de cartas, todo un paisaje que nos va poblando con el recuerdo de lo que en sus espacios hemos vivido, el centro de la ciudad ha sido por generaciones ese punto en el que la memoria colectiva y la desmemoria individual confluyen cotidianamente.

La noche se presentaba fría y los semáforos competían con la luna por iluminar a las casas más derruidas y a los sitios más fashion, deambulé por esas calles cuyos retazos guardo entre empolvados libros y Lp’s, porque son eso que fui y eso que seré; lentamente la feria municipal del libro iba perdiendo forma: estructuras metálicas vacías, cajas de libros gastados y empolvados, tablas que ayer eran mesas, telas azules y enormes que con el viento intentaban escapar, compré un chévere y me perdí entre el tumulto de personas que van y vienen por la 6ta avenida, entre la multitud vi a Cesar Borrayo y a su hijo, caminamos y, como siempre, hablamos de Metal.

El Gran Hotel es indudablemente una reminiscencia de ese instinto local que nos indica que para que algo sea importante debe tener un toque foráneo, imposible no recordar la película estelarizada por Cantinflas en 1944 o la más exótica Grand Hotel de 1932, dirigida por Edmund Goulding; es hoy, en apariencia, un centro cultural - restaurante pequeño y acogedor con decoración Hindú al que definitivamente tocará volver, y digo en apariencia porque detrás tiene un salón para conciertos enorme. Los cabellos largos y encanecidos nos indicaron el lugar, las camisas típicas, los jeans rotos y las sandalias se mezclaban con las botas de motoristas, las t-shit negras y las púas de los más jóvenes, un ambiente rockero en toda regla.

La hora chapina es una desgracia a la que indudablemente a falta de poder cambiar nos debemos de acostumbrar, una hora más tarde el humo artificial y las luces iluminaban el escenario, un Maco Luna con ínfulas de sacerdote tribal iniciaba el ritual leyéndonos algunas líneas de su libro Cuerpo Y Alma, Sonrock Chapín, mientras Julio Luna daba los primeros estartasos de Sin Camino, la euforia del publico fue total, a este siguieron temas de Steppenwolf, Deep Purple, Rolling Stones y los esperadísimos Black Sabbath, que fue de quienes más temas tocaron, pero los homenajeados no eran en sí los demonios provenientes de Birmingham, Inglaterra, sino Clacker, vocalista de los legendarios Caballo Loco, quien septuagenario y achacoso fue literalmente subido al escenario, donde enseñó qué es un true metalero al cantar desde su silla y desde su sapiente senilidad temas como Satisfaction de los Rolling Stones o Smoke On The Water de Deep Purple, simplemente increíble.

Debo confesar que no soy fan de los covers, pero con estos maestros que iniciaron la movida a finales de los 60’s sonó como si fueran las bandas originales, musicalmente nada que envidiar, Julio Luna es simplemente un monstruo de la batería y Carlos Castilo (ex Guerreros del Metal), Freddy Carrera y Enrique Siliezar demostraron que simplemente el Metal no es un genero musical más, sino una forma de ataraxia desde la cual con tranquilidad se puede reír del paso del tiempo, finalizaron con temas originales de Cuerpo y Alma, al terminar, como al inicio, sonó Sin Camino, el publico se diluyó entre la masa informe que recorría las calles y yo, mientras me comía otro chévere, recorrí, como tantas otras noches, solitario las calles de esta a esas horas, en apariencia, muerta ciudad…

Ya era hora de que un capitalista hiciera una revolución…

2011-10-06T16:30:00.000-07:00

Ser el hombre más rico en el cementerio no me importa a mí... Ir a dormir diciendo que hicimos algo grandioso... eso es lo que me importa…
Steve Jobs

La nuestra fue sin duda una generación extraña, demasiado agringada innegablemente, la mayoría de mis contemporáneos vestían en un estilo muy hippie, escuchaban rock de los 60’s mezclado con el que Seattle producía, pero de igual forma no se perdían una de las actualizaciones que periódicamente hacía Apple, era como un extraño culto al icono de la manzanita, tras él, en vez de un famélico gusano se escondía un nombre: Steve Jobs.
Prototipo de eso que llamamos BoBo’s (bohemian burgers), gente que, inconforme con el sistema, en vez de revelarse de manera política lo hacen mediante ideas altamente innovadoras, mismas que guste o no cambiaron nuestra percepción del mundo mucho más que cualquier revolución de esas que salen en películas y documentales, imbuido en este rollo Jobs fue sin duda una especie de gurú de la generación X, impregnando esta cultura cada vez más uniforme con su tecnología pero a la vez con una identidad alternativa.

En un principio uno no imagina que pueda existir un tipo interesante detrás de esa maraña de chips, microchips y posteriormente nanochips, sin embargo Steve Jobs supo serlo, en un mundo donde el éxito lo es todo alguien que tenía todo el éxito del mundo opinaba que lo cambiaría sin dudarlo por conversar una tarde con Socrates, sus ideas, sus planteamientos y sus innovaciones iban justo en otra vía, que no era pro sistema ni anti sistema, simplemente era su propio sistema.
Pocos textos, a pesar de que me considero un lector habitual, han generado en mí esa sensación de abismo pero a la vez de fuerza que uno titulado: Manteneos hambrientos, manteneos atolondrados… mismo que Steve Jobs leyera un 12 de junio de 2005 en un acto de graduación en Stanford, cuando lo leí me dejó pensativo y cada vez que en mi vida hay momentos complejos vuelvo a él en la comodidad de la pantalla y, dada su relativa brevedad, cada vez que alguno de mis amigos pasa por una situación complicada no he dudado en compartírselo. En él un hombre que sabe lo que es la vida a través de su cercanía a la muerte nos va develando lo que es el éxito por medio de contarnos los que fueron sus fracasos, un tipo que amasó más fortuna que muchos millonarios y que sin embargo no se ufana de lo que tiene sino de lo que es, algo que lentamente, incluso quienes tenemos menos, hemos ido olvidando, y es que pareciera que en nuestro mundo ese don del ser ha quedado en desuso y es algo que él aunado a su tecnología también hizo despertar, hizo ver que más allá de esas fronteras materiales de lo que nos rodea hay un espacio en el que también podemos ser, en el que también podemos imaginar y en el que también podemos soñar.
Hoy me han comentado que ha muerto, no les creo pues su sonrisa sigue perpetua aún desde la tarjeta que anuncia su muerte y sus palabras siguen muy vivas en mi mente, como la primera vez que las leí…

una revolución invisible

2011-01-28T14:06:00.000-08:00

Décadas atrás mencionar a un revolucionario era evocar a un personaje uniformado, de largas barbas y anteojos de carey, que aunque afirmaba ser un intelectual no tenía remordimiento alguno en asesinar, robar o destruir cualquier tipo de infraestructura con tal de imponer un modelo político, que al ser con el que él se identificaba automáticamente pasaba a ser el único viable y justo para la gran mayoría, aún si esta no lo compartía.
En ciertos países este tipo de individuos logró hacerse de manera violenta con el poder, con su llegada no sólo no se alcanzó la anunciada libertad, sino que se perdió la poca existente, se hicieron déspotas y dilapidadores, dejando atrás todo eso que soñaban y defendían o que al menos pregonaban, montando sistemas de dominación extraídos de una pesadilla, con lo que terminaron silenciosamente convirtiéndose justamente en eso que más odiaban. En el lado contrario quedaron las democracias, esos sistemas independientes que nos permiten ser y actuar como queramos, siempre y cuando lo hagamos en la forma que un sistema invisible lo desea, sin complicar mucho la situación se han limitado a crear productos chatarra con los cuales ocupar nuestro tiempo y nuestro espacio mental, con lo cual evitan que pensemos en todo eso que nos indica que aunque no somos libres con que aparentemos que lo somos basta, ya que no puede ser libre aquel que no se comprende a si mismo y no le es permitido comprender en su totalidad las razones de su entorno. Dentro de estas sociedades se fue forjando una nueva generación de individuos, interesados en las nuevas tecnologías, quienes terminaron por crear una cibersociedad alterna, un mundo virtual en el que todos viven, expresan y sienten sin tener que abandonar la comodidad de su computadora, en un inicio quienes tenían poca capacidad de empatía hicieron amigos, quienes no se sentían a gusto con las personas que les rodeaban conocieron a personas interesantes en lugares distantes, hasta que un buen día notamos que no eran sólo los nerds, los hackers, los geeks o los rechas quienes lo habitaban, sino literalmente todo el mundo, vivir conectado había dejado de ser cosa de expertos y había pasado a ser cool, con lo cual el ciberespacio terminó por llenarse de toda la banalidad de la cual está constituido nuestro tiempo. En las otras sociedades el fenómeno se replicó, aunque tomando un matiz distinto, resulta que ellos no tenían fotos que compartir, ellos no tenían largas listas de amigos de los cuales prsumir, ellos simplemente tenían ideas, esas que los que habitamos los países libres hace mucho tiempo aprendimos a olvidar, y el ciberespacio fue el punto de encuentro de una nueva generación de revolucionarios, globalifóbicos, anarquistas o simples inconformes, sin un discurso compartido, sin un enemigo en común pero dentro de una misma plataforma.
Ahí se comunican con otras personas que comparten su rebeldía, ahí el sistema no puede o no debiera entrar, ahí finalmente se atrevieron a escribir lo que pensaban, siendo así que el fenómeno blogger tomó una inusitada importancia para dar a conocer esas ideas que disentían del pensamiento oficial, luego fue el turno de las redes sociales, con las cuales a sido más fácil organizar inmensas manifestaciones, como las que recientemente presenció Túnez, antes impensables, hoy es el turno de Yemen y Egipto, mañana no sé, espero realmente un día sean libres, pero más que nada que cuando tengan esa libertad por la cual tanto han peleado, sepan qué hacer con ella…

vida cotidiana, manual de uso

2010-12-30T14:45:00.000-08:00

Amanecemos cada día, como todos los demás mortales, con la esperanza de encontrar por fin el libro de los libros, no ese que nos diga cómo debemos ser, sino ese que nos explique por qué somos como somos, ese que nos explique por qué al salir a la calle no siempre congeniamos con el señor que vende los periódicos y por qué duele tanto tener que confiar siempre en quien alguna vez nos ha mentido, creo que por fin lo he encontrado. Desde hace mucho el nombre de Arthur Schopenhauer rebotaba en el cuarto vacío de mi mente, sin embargo no fue sino hasta este año, y gracias a un regalo de Julio Manuel Girón, que el mismo llegó a mis manos, un poco tarde quizá, pero justo a tiempo, como todo lo que vale la pena.
La vida diaria a pesar de ser un ejercicio diario, valga la redundancia, pocas veces llega a ser una cuestión que nos sea simple, en especial si nos da por participar del ejercicio social, es siempre un juego de trampas incomprensible en el que todo aquel que tenga buenas intenciones saldrá irremediablemente lastimado y todo aquel que carezca de astucia, aunque no de inteligencia, siempre terminará por perder más de algo. Es así como luego de muchos días de intentarlo llegamos a la conclusión, en el mejor de los casos, de que somos poco aptos para el juego social y, en el peor, a adaptarnos a él, convirtiéndonos en una pieza más dentro de un tablero en el que sólo deciden las jugadas los que no participan.

La filosofía, cuando no está escrita por filosofastros, tiene una marca de agua que la hace impersonal y atemporal, ya que parte desde el análisis del ser cotidiano, ese que en el hipermercado como en el más miserable cuchitril posee un mismo funcionamiento, pues sin importar cuánta tecnología tenga a la mano, siempre sigue siendo humano, por ende sigue respondiendo a los mismos procesos básicos de antaño, sigue siendo el monótono ser que para olvidar que no comprende la vida cotidiana crea enseres y gadget con los cuales llenar ese espacio vacio llamado mente.
Pero dentro de esa enorme y monótona multitud hay siempre uno que por naturaleza o por error termina siempre por preguntarse qué hace aquí y cómo debe comportarse para sobrevivir a la existencia de los demás, para las grandes mayorías esto suena siempre absurdo, pues ellas se han acoplado a un mundo en el que sólo se cree y se compra, nunca se duda, y en el que quien duda es siempre sospechoso. Pues para esa pequeña minoría de los que dudan fue escrito indudablemente Arte Del Buen Vivir, editado por Edaf, un libro que en principio podríamos pensar anacrónico en un mundo en el que a Schopenhauer se le puede encontrar ya sólo en t-shirts, bolsos, tazas ó incluso en peluches con la serigrafía de su rostro, a pesar de ello no lo es, sino más bien es la disección de esa masa de seres cotidianos, condenados a representar tan sólo una marca y a no preguntarse nunca nada. Por mi parte desde El Anticristo de Nietzsche que no hallaba un libro tan certero, creo que es un buen manual para, en este año por iniciar, intentar, una vez más, comprenderme y comprender a las grandes turbas, pero más que nada un manual de cómo escapar de ellas por la puerta de emergencia y así salvaguardarme de su resignación, no sé si en realidad sea así, pero al menos hoy, mientras veo el año morir, tengo la sensación de que sí.

los rockeros van al infierno

2010-05-17T15:13:00.000-07:00

Suelo recordar con exactitud todas las fechas que son importantes, aunque esa por alguna razón no la recuerdo, tubo que ser en el ’94, pero ignoro en qué mes o en qué día; encaminé mis pasos al centro histórico, llegué al portal del comercio y sucesivamente a Discos Ayarza, por años la tienda clásica de la música rock en la ciudad, finalmente me compré el Lp Heaven And Hell, lo compré por la portada, ya que el tipo que cantaba, según los rumores, no era bueno, al menos no tan bueno como Ozzy Osbourne al frente de Black Sabbath. Pasados los años en La Cueva Del Dragón escuché un tema llamado Rainbow In The Dark, según me comentó Yanni era precisamente de ese personaje un tanto oscuro llamado Ronnie James Dio; lo que el disco aquel y el Live Evil no habían logrado, ese tema lo consiguió, corrí a desempolvarlos y de ahí en más empecé a escuchar todo cuanto tenía que ver con Dio; no diré que perdí el tiempo que no lo escuché, simplemente no era su momento en mi vida y llegó justo cuando debía llegar, cuando yo tenía la madurez para comprenderlo y entender su mensaje. Y es que hablar de Ronald James Padavona, nombre real de Dio, es hablar de una leyenda con una trayectoria tan amplia, sólo comparable con la de Alice Cooper sin duda. Nacido el 10 de junio de 1,942, inicia en el mundo del Rock n’ Roll en el año 56 junto a la banda Red Caps, posteriormente conformaría Ronnie And The Prophets, agrupaciones en las cuales alternaría la vocalización con el bajo y la trompeta; luego de un tiempo cambian el nombre por The Electric Elves, simplificándolo posteriormente a The Elves, para finalmente en el año 1,967 convertirlo en Elf, banda que toma su nombre de la estatura de sus integrantes, Dio, con 1.60 Mts. era el más alto, quienes en 1,972 lanzarían su disco homónimo, mismo que les valió salir de gira junto a los ya consagrados Deep Purple. Como consecuencia de esta gira y de las cualidades vocales de Dio, nace la banda Rainbow, dándose a conocer con el single Man On The Sylver Mountain en el año’75; luego de tres álbumes en estudio y uno en vivo, Dio abandona la banda para pasar a formar parte de Black Sabbath, lanzándose con el single Lady Evil, con lo que iniciaría un trabajo que produjo tres discos en estudio y dos en concierto. Es en ese momento en el que finalmente se decide a conformar su propia banda, llamándola justamente Dio, naciendo al publico el 23 de mayo de 1,983 con el álbum Holy Diver, con quienes, a pesar de variantes en la alineación, sacaría un total de diez discos en estudio, tres en vivo, once recopilaciones de grandes éxitos y dos Ep´s; en los últimos años se reunió nuevamente con los integrantes de Black Sabbath para conformar la banda Heaven And Hell, con quienes produjo un disco en concierto y otro en estudio. Lo anterior denota una carrera muy fructífera, de la cual he mencionado apenas algunos puntos, pero quizá no sea la cantidad de discos la que hace de Ronnie James Dio una leyenda del Metal, sino el concepto que creó y dentro del cual con el paso de los años se fundió, hasta hacer que su obra fuera él mismo, en mi opinión él era un filosofo del Heavy Metal, basta con ver sus respuestas y actitud en el documental Metal A Hedbanger´s Journey para separarlo de la masa de estrellas de rock y entender que él más que fama era pensamiento, un pensamiento difuminado a lo largo y ancho de su basta obra.
Hoy de mañana supe de su muerte. Hoy vi su rostro enjuto, detenido en el tiempo aparecer en las noticias principales de Yahoo y supe que muy pronto cubrirán el cielo, no las negras golondrinas, sino las aves de rapiña, que a falta de imaginación y con toda la gana de obtener sus cinco minutos de fama local, reciclarán, imitarán y descompondrán sus temas, mientras las disqueras convertirán su nombre un una simple y rentable marca más; pero no, para sus fans su pensamiento quedará ahí, en nuestras mentes y en sus discos, implícito, intacto y etéreo…

los escritores respecto a los que escribe un gran poeta

2009-11-13T14:43:00.000-08:00

No es la primera vez que en mis manos se deshace una edición del libro Escritos Sobre Literatura, que recopila una gran parte de la crítica literaria escrita por el más implacable de los poetas franceses, Charles Baudelaire, y a partir del cual podemos obtener más o menos un mapeo de lo que el mundillo literario era por aquel entonces; como es de suponer ahí se hace un inventario de las envidias, de las falsas glorias, de los grandes autores por decisión propia o de sus amigos y que hoy día no son pero ni al menos un triste recuerdo, las concesiones dadas a los amigos, en fin nada nuevo; pero lo más importante es la forma cómo Baudelaire disecciona las obras de sus contemporáneos y cómo nos muestra con su clásica maestría las grandezas y las miserias de la literatura de su tiempo.
Esta edición del año ‘84 corre a cargo de Carlos Pujol, quien, abalado por Editorial Bruguera, aparte de seleccionar y prologar los textos los traduce al castellano; a pesar de que generalmente no soy un entusiasta de los prólogos, este es uno que no me canso de leer y re leer, pues de una forma sumamente clara nos adentra en la obra y la vida de Charles Baudelaire, o sea lo que en realidad es un prologo, cosa que para la mayoría de prologuistas al parecer es un misterio del que aún no se han enterado; además queda lamentar la mala calidad de encuadernación de la obra, lo que en realidad pasa a ser una nimiedad comparada con su contenido intelectual. Hay entre todos los escritores comentados tres a los que más espacio dedica el compilador y respecto a quienes incluye dos textos, siendo el primero de estos nada menos que el gran Théophile Gautier, de quien inicialmente aparece una biografía en la cual podemos ahondar en lo que fue este hombre que más que trabajar con las letras, las vivió en su máxima expresión, a la vez que Baudelaire no intenta al menos disimular su devoción por el mismo, tal y como lo hace en la dedicatoria de Las Flores Del Mal, pero sin que ello afecte sus juicios sobre su obra, es más, él mismo aclara acerca de la dificultad que hay a la hora de escribir sobre alguien por quien se siente admiración sin incurrir en la ya tipica lambisconería que generalmente se suelen lanzar de un poetastro a otro; al terminar de leer ambos artículos nada más aconsejable que re leer La Muerta Enamorada de Gautier. El segundo turno es para Víctor Hugo, ese monumento ennegrecido e incorrosible que se yergue inmutable sobre la literatura europea del siglo XIX, de quien se incluye una reseña sobre su vida y otra sobre su novela cumbre Los Miserables, y sobre quien Baudelaire hace una reflexión respecto a lo que es, o debiera ser, un gran poeta y un gran autor, si bien a lo largo de estos textos vemos y comprendemos que no concuerda con toda la obra del autor, es un hecho que hace un justo análisis y valoración respecto de sus obras, en su opinión, mejor logradas. Más que ninguno de los escritores comentados en el libro, es sin duda de la señora Clemm, madre de Virginia Clemm, esposa de Mr. Edgar Allan Poe, de quien Baudelaire hace el retrato más profundo y más sentido, un acto de justicia para esa madre adoptiva que en el país en el que todo es mega, incluida la ignorancia, tan bien cuidó de esa voz incomprendida pero a la vez más alta, que fue el gran Poe, disecciona en estos textos, más que al maestro del relato de terror, a la sociedad que le concibió y que en cierta forma, al verse imposibilitada de domesticarle, le asesinó; es de recordar que Baudelaire fue quien introdujo a Poe en Francia, por ende en Europa, y el primero de estos textos ha sido incluido en no pocas ocasiones como prologo a sus, tan acertadamente llamadas, Narraciones Extraordinarias; luego nada más juicioso que re leer Relato Hallado En Una botella, es este libro una compuerta a la literatura que es perpetua, porque fue hecha para ser leída y no simplemente para ser publicitada.

extraño en una tierra extraña

2009-11-06T10:52:00.000-08:00

Corría marzo del año ’95 cuando Byron Masdeu decidió abrir su primer estudio de tatuajes en el callejón del Fino en el centro histórico, era un local pequeño, en el que tarde a tarde se reunían metaleros, hippies, alternativos y uno que otro punk; así como gente que no era ni lo uno ni lo otro, pero que estaban interesados en perpetuar alguna imagen sobre su piel, entablando siempre tertulias que giraban en torno a la música, la literatura y la filosofía; hablando como solía ser costumbre de todo un poco, en cierta oportunidad el asistente de aquel, que estudiaba filosofía, me recomendó un libro llamado El Anticristo de un tal Friedrich Nietzsche. Por esos mismos años Giovanni Pinzón, vocalista de Bohemia Suburbana, tenía en la zona 10 el café Oro, epicentro de la movida alternativa, pero en el que muchos metaleros que estudiaban en el Ciudad Vieja se reunían por la tarde-noche, fue así como curiosamente ahí se gestó uno de los primeros zines metaleros, Putrefaxión Zocial; fue en una de esas noches que coincidí con alguien que siempre andaba leyendo y vi que lo que cargaba era el mencionado libro, inmediatamente le pregunté que de dónde lo había traído, a lo que me respondió que no, que lo había comprado en la librería El Tecolote de la zona 1, misma que paradójicamente quedaba a media cuadra del colegio en el que yo estudiaba. Realmente al abrir aquella edición de Editores Mexicanos Unidos no sabía qué esperar, esperaba algo muy fuerte, sí, pero en realidad no sabía qué, desde la primera línea fue un choque total, no era nada que yo hubiera imaginado, es cierto, pero era algo que desde siempre había buscado, a medida que continué página tras página, aquello era como encontrarme a mí mismo, como por primera vez poner orden a muchas ideas que habían estado desde siempre desordenadas en mi cabeza, como él mismo diría, refiriéndose a Richard Wagner, fue la primera vez que respiré con libertad en toda mi vida, pero a la vez fue un shock, había intuido desde siempre que debía existir una forma distinta de ver al mundo, pero nunca supuse que alguien la supiera plantear de una manera tan clara y a la vez tan cruda.

Muy pronto terminé convertido en fan de Nietzsche, a este libro le siguió la lectura de cuanta obra me fue apareciendo, ya en la edición de Edimat, y cada vez que en Burger King me tocaba, como suele ser costumbre por acá, esperar a alguien que siempre llegaba tarde a alguna cita, lo hacía leyendo aquellos libros que me obsesionaban; hasta el día de hoy cada vez que mi vida se ha tornado compleja, vuelvo mi mirada a ellos y ahí está la calma en medio de la tempestad. Indudablemente pocos filósofos se han atrevido a ir tan lejos como Friedrich Wilhelm Nietzsche (1,844 – 1,900) lo hizo, primero atreviéndose a cuestionar a quienes habían sido impuestos como incuestionables, lo que sin lugar a dudas no le hace tan profundo, pero si lo hace indudablemente el hecho de que por primera vez alguien halla logrado pensar al margen del pensamiento platónico, una labor que aún hoy suena titánica y monstruosa, dado que, aún sin querer, todos hemos sido concebidos, creados y domesticados mediante el molde platónico, hoy, como en mi caso, resulta indudablemente cómodo leerlo y comprender el grado de inherencia que dicho pensamiento tiene en nuestras vidas, pero el pensarlo por primera vez, el concretar esa idea en sí, es algo que difícilmente puede calcularse.

Desde mi óptica personal hay algo más que hace simbólica la lucha filosófica de Nietzsche y es el hecho de la enfermedad, una enfermedad que lo aniquiló lentamente y que le postró de 1,888 a 1,900, ya que fueron siglos de atraso en todos los sentidos de la ciencia, debidos única y exclusivamente a la avaricia de los administradores del mundo, quienes mediante tretas teologales mantuvieron a la humanidad sumida en las sombras y la ignorancia, tal como lo hacen los medios masivos hoy en día, pero fue a partir de la obra de este filosofo que el mundo se atrevió a ir más allá, a darse cuenta, por fin, que el cuerpo humano era un campo de acción para la ciencia y no un recipiente divino inviolable, lo que redundó en la solución para muchísimas enfermedades, como la que a él le había matado, y que en tiempos irracionales eran tratadas únicamente mediante la oración; creo que esa fue la lucha personal de Friedrich Nietzsche, y que, como todo hombre que nace póstumo, sin duda la ganó póstumamente; en los últimos días he estado re leyendo El Anticristo, Más Allá Del Bien Y Del Mal y Ecce Homo, y sí, nuevamente me sentí feliz de estar en casa…

por qué no leo lo que los demás creen que debo leer

2009-10-29T09:53:00.000-07:00

Hay muchos libros que sin duda nunca leeré en mi vida; pero hay otros que aunque a mi pesar sí he leído, nunca releeré, de hecho tres de ellos, novelas para ser exacto, fueron de esos textos que se leen no por placer sino por compromiso, y cuando el compromiso tiene que ver con algún curso, pues ni modo, El Señor Presidente de Miguel Ángel Asturias, Rayuela de Julio Cortazar y Cien Años De Soledad de García Márquez, libros que a medio camino obligatoriamente me hicieron preguntarme qué hacía ahí y que nunca dejaron de parecerme terriblemente aburridos.
Éstas podrían llamarse las obras cumbre de esa religión laica que pareciera ser la literatura latinoamericana del siglo XX, con un amplio margen de feligreses, que por estas tierras, entre la escasa minoría que lee, suelen ser mayoría, pero que actualmente con dificultad los hallamos menores de 40 años, y que, aparte de lectores, se constituyen en defensores acérrimos de sus obras, situación que cuando los mismos tienen complejo de escritor alcanza niveles de fundamentalismo. Cuando uno, en un acto de honestidad, dice que no le gustan dichos libros o el resto de las obras de estos y otros autores que conforman el panteón, optan por censurarlo y excomulgarlo del plano intelectual latinoamericano; los más mesurados empiezan, con cierto dejo de compasión, como quien habla con un analfabeto, ha hacernos un largo inventario de las razones por las cuales, según ellos, uno como lector latinoamericano tiene forzosamente que gustar de las mismas, claro que también los hay de los que nos dan una serie de explicaciones, algunas más tontas que otras, de por qué esas obras son forzosamente parte de la gran literatura y que si uno no las ve como tales es porque es un total ignorante. En lo personal no puedo decir si los del Boom son buenos o son malos escritores, pero es innegable esa falta de conexión entre sus libros y las nuevas generaciones, pienso que a lo mejor y tiene mucho que ver el que las mismas fueron hechas para una época muy especifica, lo que al momento de un cambio de condiciones las hizo anacrónicas; esto sucede más que nada con El Señor Presidente, pero igual debe suceder con alguien extraño que al leerlas, es especial Cien Años De Soledad, se imagine una Latinoamérica mágica y al venir y bajarse del avión lo primero que se topa es con una valla publicitaria de McDonald´s, como en cualquier lugar del mundo, sólo que tachonada por los graffitis de alguna pandilla local, que será sin duda de los pocos localismos que nos quedan; y es que esa Latinoamérica de ensueños simplemente ya no existe o más bien nunca existió, tan sólo quedó anclada a los ideales de una época en la cual, en teoría, el factor ideológico pesaba demasiado en el trabajo intelectual, y digo en teoría porque esto tiene también mucho de ecuación mercadológica, encaminada a vendernos la típica pose del escritor mesiánico y buena onda con el pueblo. Esa falta de conexión también ha existido respecto a las nuevas generaciones de escritores, ya en Roberto Bolaño era más que notoria, pero con la llegada de Alberto Fuguet y Edmundo Paz Soldán, que por cierto también tienen cara de intelectuales serios y aburridos, con libros como McOndo o Se Habla Español, terminó por hacerse obvia; creando un verdadero pandemónium entre los feligreses del culto en cuestión, quienes no comprenden que nosotros crecimos en un medio desliteraturisado por razones ideológicas, y en el cual los únicos iconos intelectuales eran Gene Simons y Dee Snider, con todo lo poco políticamente correcto que esto pueda ser o sonar, es una realidad, por lo que para cuando, por compromisos académicos, nos acercamos a estas obras, ya no había ningún punto de conexión con las mismas, pues éramos más ciudadanos de Gotham City que de cualquier pueblo del altiplano latinoamericano en el que las mariposas fluctuaran libremente.

corrosivo, toxico y sin concesiones…

2009-10-08T13:32:00.000-07:00

Ya los diarios lo venían anunciando desde hacía algunos días, a pesar de ello y una vez llegada la fecha, no dejaba de ser difícil creerlo, dos monstruos del Thrash Metal mundial reunidos por primera vez en esta ciudad; un día claro, ordinario y sin contratiempos; quienes llegaron en auto fueron acompañados por la estridencia del metal desde sus casas, quienes lo hicieron en el servicio colectivo, tuvieron sin lugar a dudas que dejar correr sobre sí las largas horas de la desesperación, teniendo como música de fondo el sonido insípido y repetitivo del reggeaton. Una avenida, amplia en relación a la mayoría de las de la ciudad, con una arboleda que dejaba poco espacio para ver cómo caía sobre los edificios el atardecer; en las aceras y sobre las raíces de los arboles dispersa una horda de rebeldes, entre los 15 y los 60 años, muchos con su colección de vinilos bajo el brazo, con la esperanza de un autógrafo, los cabellos sueltos, la vestimenta negra y botas; intentando escapar a la polución y a la uniformidad de la urbe; el metal incansable retumbaba en las bocinas de los autos, mientras las latas de cerveza Gallo se diluían lentamente.
Por mi parte me encontré, como en mucho tiempo no lo hacía, con toda la escena metalero-literaria local, escritores como Julio Manuel Girón, Javier Payeras, Pablo Gordillo, Byron Quiñones, Eddy Roma y Mario Castañeda, con quienes recordamos aquella época en que quincenalmente nos reuníamos en Guatemala Musical para escuchar a las bandas de metal locales y en la que quizá ni siquiera pensábamos en ser escritores, y menos en vernos ya con libros publicados como hoy día. Una vez dentro del salón, que mucho tiene de bodega industrial, los locales Falso Profeta tuvieron una presentación que inició de muy buena forma el fogeo; las luces se apagaron, todo quedó en un punto muerto, de pronto se dejaron escuchar los primeros estertores con las guitarras de Gary Holt y Lee Altus, se les sumaría inmediatamente Jack Gibson en el bajo y la batería, ignoro si fue Tom Hunting o Nicholas Howard Barker quien la tocó, en teoría es el segundo quien lo hace en vivo, finalmente hizo su aparición el vocalista Rob Dukes, inmediatamente una ola de celulares vio elevarse intentando perpetuar el instante.
Curiosamente, dada mi aversión por los cover´s, a esta banda la conocí por el tema Dirty Deeds Done Dirt Cheap, un tema original de AC/DC incluido en vivo en el álbum Lessons In Violence, publicado en el año ’92 y que sonó muchísimo en Revolución Rock; la presentación fue simplemente demoledora, con una presencia escénica impresionante, en la cual fue punto focal Rob Dukes, quien demostró poseer la capacidad de crear empatía inmediata con el publico, los músicos totalmente profesionales, poseedores de una velocidad trepidante, con lo que el mosh (slamdance) no decayó un instante, demostrando así que el Thrash Metal sigue siendo un sonido, sucio, violento y callejero; en mi opinión personal la mejor banda de la noche. Y nuevamente se hizo la oscuridad; oportunidad que muchos aprovechamos para salir a conversar y tomar un respiro; se escuchó, o creímos escuchar, un leve feedback y esa fue la alarma para entrar inmediatamente; en medio de las sombras unas pantallas laterales empezaron a reproducir el video Hordes Of Chaos de Kreator (que por cierto pareciera ser de Manowar), una presentación un tanto insípida que hizo que el publico fuera un poco más frío y distante, me fue imposible no pensar en cierto rockstarismo; prejuicio que deseché rotundamente al conocer una hora más tarde a Mille Petrozza.

Volvieron a mi mente las portadas de los discos Endless Pain y Pleasure to Kill, que escuché a inicios de los 90’s en Lp, mientras tanto en el fondo se escuchaba un solo de batería impresionante, pero ajeno al Thrash Metal; luego de esto regresaron al escenario siendo definitivamente otra banda, con un sonido y una presencia totalmente demoledores y salvajes, definitivamente el feeling era otro, Mille se conectó plenamente y el publico respondió de una manera igual de salvaje, creo que ahí nació la conexión real y fue su punto cúspide al salir con la bandera de Kreator, que nos recordó el Ep Flag Of Hate del año ‘86; pienso que una de las cosas que tiene Kreator, y la escuela alemana si se quiere, es que son demasiado profesionales, muchísima técnica, algo que en un genero que pretende ser contestatario y callejero le quita cierta mística, además su etapa gótica y experimental no pasaron impunemente, lo que no implica que sea malo, simplemente es distinto, yo diría que la presentación fue perfecta pero no uniforme, y eso marcó la diferencia.

Afuera la ciudad continuaba inmersa en las tinieblas de la noche, los perros callejeros asaltaban los volcanes de basura, mientras los vagabundos se hacían de las latas vacías para reciclarlas y aquel lugar era tan sólo un punto, perdido e impensable en la inmensidad de la urbe, una pequeña mancha en nuestras mentes que intentaremos nunca borrar, porque son esos momentos, esas horas de adrenalina, lo que hacen que un metalero continúe respirando y que se sienta tan orgulloso de ser lo que es.

los libros que vamos teniendo y reteniendo con el paso del tiempo

2009-08-31T14:25:00.000-07:00

El viernes recién pasado me encaminé a la nueva, aunque pensándolo bien ya no tan nueva, ubicación de Sophos con la finalidad de comprar un libro de H.P. Lovecraft (1890 – 1937); desde hace un tiempo me he dado a la labor de reunir la colección completa en la edición de la editorial Alianza, unos libros de bolsillo que recopilan de manera digna y ordenada la obra dispersa de dicho autor, a la vez que son sumamente cómodos, tanto para la lectura como para ir de viaje; estos poseen unidad temática y a veces, como en Los Mitos de Cthulhu o los Viajes Al Otro Mundo, traen interesantes prólogos de Rafael Llopis o acompañados con textos de otros autores del circulo Lovecraft que se entrelazan con la tópico central.
Mi sorpresa fue grande cuando al salir, ya con mi objetivo entre una bolsa, me topé cerca de la puerta con que ya ha venido por estos lares el segundo tomo de las obras completas de H.P. Lovecraft en la edición de Valdemar; bueno y si ya tiene o va ha tener la colección de bolsillo para qué quiere otra, se preguntará sin duda alguien, pero cuando se es fan, se nota muy bien la diferencia entre lo uno y lo otro, esta es una edición muy bien cuidada, con tapa dura y separador de hojas, en una traducción de Juan Antonio Molina Foix, Francisco Torres Oliver y José María Nebreda, siendo para todo coleccionista de sumo interés el tener estos dos tomos en casa y re leer en otra versión esos abismales textos que a muchos, como en mi caso, nunca nos cansan de leer y re leer. H.P. Lovecraft fue sin duda de esos autores más bien extraños que impactan y uno busca conocer, pero que en cierta forma se escabullen; a inicios de los 90’s la música Metal underground se conseguía mediante el intercambio con fans de todo el mundo, por la vía del correo tradicional, así las bandas se daban a conocer en países tan lejanos como Noruega o Singapur, parte fundamental jugaban los fanzines, pequeñas revistas independientes que incluían entrevistas a bandas, reseñas de discos y de conciertos, algunas tenían su sección literaria en la cual generalmente nos topábamos con fragmentos de la obra de Lovecraft.
Aparte de esto muchas bandas basaban sus letras, conceptos y portadas en el mundo creado e imaginado por dicho autor y sus seguidores; situación que no era nueva, ya en el año 1967 se había conformado la banda de Rock Sicodélico H.P. Lovecraft, con dos discos en estudio y uno en vivo; pero en nuestra época tomó más fuerza hasta llegar a convertirse en una forma de pensamiento y de vida en torno a la cual se generó toda una cultura, que no dejaba de tener su influencia por parte de la sociedad de consumo, con una amplia gama de suvenires, pero de los libros nada. No fue sino hasta en el año ‘99 que finalmente encontré en la librería Luna Y Sol, donde por ese entonces trabajaba Simón Pedroza, El Horror De Dunwich, en un librito muy pequeño de la colección Alianza Cien, el mismo me dejó impactado, difería o más bien concretaba por primera vez toda aquella visión fragmentaria que del autor había tenido siempre, pasaron algunos años para que en Artemis Edinter encontrara El Caso De Charles Dexter Ward, en la ya citada colección de Alianza Editorial, y desde entonces no he parado de ir comprando cada vez que vienen nuevos títulos y en ellos irme perdiendo lentamente en abismos gelatinosos, terribles e innominados.

Banksy versus Bristol museum

2009-08-31T13:42:00.001-07:00

Banksy deja las calles y llega al museo...
cansado de ocultarse tras las sombras de la ciudad o buscando refugio en tiempo de crisis...?

cuando un autor se convierte en eso que más odia

2009-06-26T15:46:00.000-07:00

Sin lugar a dudas José Saramago, Premio Nobel 1,998, es para mí uno de los autores de referencia, por sus opiniones en muchos temas y por algunos de sus libros más imprescindibles como El Evangelio Según Jesucristo, Ensayo Sobre La Ceguera (mismo que el director Fernando Meirelles llevara al cine bajo el nombre Blindness) y La Caverna, imposible para mí olvidar aquella tarde en La Compañía De Jesús, en la Antigua Guatemala, donde dio una cátedra que muy pocos autores pueden dar hoy en día, el pensamiento de un autor que cuestiona y escarba hasta el último rincón de su entorno, que no siente temor a pensar y a exponer lo que piensa.
Uno puede estar de acuerdo o no con las ideas de una persona, pero en el momento en el que ésta las expone con una profundidad y una claridad tan irrefutable como lo hace él, creo que es de, si no compartir, al menos analizar, y es que Saramago se ha encargado de plantear una izquierda y un ateísmo pensantes, coherentes con una actualidad poco cálida hacia las ideas, y desde dicha trinchera ha hecho uno de los análisis más concretos de lo que es nuestro mundo hoy, con todas sus contradicciones y con todos esos intentos por manipular a la cultura a fin de hacerla un simple instrumento de dominación. Pero, y siempre existe un pero, desde hace ya un tiempo me cuestiono cómo un hombre que tiene tan claros los procesos mediante los cuales la sociedad es regida actualmente y a los cuales se opone en cada oportunidad que tiene de decirlo, no ha notado que es una parte importante del engranaje de la misma, resulta ser que el Sr. Saramago desde la oposición ha pasado a ser uno de los autores más rentables y con más presencia en el mercado, publicando una cantidad increíble de libros, una guía turística incluida, que no forzosamente son imprescindibles y que lo mantienen con increíble actualidad dentro del mercado editorial, justo como lo hacen todos esos productos prefabricados de los que tanto desdeña.

hay música que no nos explica, pero sin la cual difícilmente nos explicamos el mundo

2009-06-26T11:31:00.000-07:00

Hoy es sin duda uno de esos pocos días en que uno puede asomarse a la ventana y constatar fehacientemente que la religión más grande del siglo XXI será el culto al pop, pero a la vez una oportunidad inigualable para intentar diseccionar la forma en que se ha creado por primera vez una cultura mundial y uniforme; la muerte de Michael Jackson a resonado en todos los diarios del mundo y no se habla de otra cosa en las calles, lo cual no es para menos, luego de tantas generaciones que aprendieron a bailar y a vestirse con él, pocos artistas aplicaron de forma tan efectiva la premisa: sé rebelde, consume…
El problema del consumismo y su cara más amable, el pop, es que exige diariamente una constancia que termina por ser deshumanizante, dejando al descubierto su miseria ante quienes se ven imposibilitados de consumir o, como en este caso, de dar nuevos productos para el consumo, condenándolos así a un ostracismo despótico y sórdido. Nadie como Michael Jackson supo representar, y a la vez sufrir, ambas caras de dicha cultura, alcanzando todo el esplendor que ésta puede dar y toda la falacia que a su vez la misma implica, quedando inscrito en la historia como el primer ser humano que cambió de color y el que rompió todos los records de ventas existentes, pero a la vez el mismo que cuando no supo cómo entretener a las masas, sufrió la soledad y el vacio que hay detrás de la fama.

Durante sus últimos años soportó la humillación de una sociedad que se alimenta del espectáculo y que, como en el circo romano, se deleita con la caída de la victima en las fauces de la bestia, una en la que los mismos que bailaron al ritmo de Thriller fueron los que compraron esos diarios amarillistas en los que públicamente se le enjuiciaba y escarnecía por los errores que esa misma cultura fomentó en un principio, hoy que ha muerto sus feligreses se agolpan a llorarle, cosa que no hicieron en vida cuando él más la necesitaba mientras moría lentamente victima de la soledad, mañana nada habrá pasado y, como en la canción de Queen, el show deberá continuar.

complicaciones de no contar con una canon pixma IP1000

2009-06-05T15:19:00.000-07:00

a Julio Manuel Girón

Recientemente un amigo, a quien van dedicadas estas líneas, me comentó emocionado la lectura del libro Retrato De Balzac, escrito por Théophile Gautier y publicado no hace mucho por editorial Sexto Piso, pocas veces tiene uno la oportunidad de acercarse a la vida de un monstruo de las letras mediante las paginas escritas por otro monstruo del mismo nivel, cosa que me fue posible gracias a que posteriormente me lo prestó.
No todos los días alguien se impone como propósito escribir 137 novelas, pero si dicho propósito suena titánico, más lo es el haber logrado terminar 85, Honoré De Balzac, como muchos otros, acarició la idea de ser un filosofo, e inspirándose en la Divina Comedia de Dante, se decidió por hacer una obra que fuera un todo, que contuviese dentro de sí todo lo que le era contemporáneo, pues pensaba que era poco probable que una obra en la que el autor imaginaba un tiempo en el que no había vivido fuese exacta, haciendo un análisis de la sociedad humana basado en el método que los biólogos utilizaban para analizar a los animales, la idea no fue así de concreta en un inicio, ya que para cuando concibió ese concepto de unidad y la forma definitiva del mismo, había ya publicado obras como La Piel De Zapa o Louis Lambert, ambas con una cierta influencia del filosofo sueco Emmanuel Swedenborg, pero que posteriormente tomaron su propio espacio dentro de la que sería su obra única. Si bien toda obra de un autor nos transmite la esencia de su pensamiento, es en su vida cotidiana en la que realmente podemos ver la esencia de si mismo, y es esto lo que nos permite la obra de Théophile Gautier, un acercamiento al trabajo obsesivo de un hombre que nunca se sintió dueño de un estilo propio, volcándose entonces a una entrega total a su obra, aún a costa de su vida misma, con jornadas de escritura de 15 horas diarias, en las cuales era tan sólo el café lo que le impedía rendirse al peso del desvelo, y cómo un hombre que nunca pudo armar un verso, armó una de las obras más impresionantes e imprescindibles de la historia occidental. Poseía, como la mayoría de los escritores serios, una obsesión casi enfermiza por revisar una y otra vez sus textos, hasta, en una labor de alfarero, lograr en ellos el tamizado exacto, esto en nuestros días nos implica tan sólo un gasto desmedido de hojas y de toner, nada que sea del otro mundo, en su tiempo, por el contrario, le implicaba tener que mandar su texto escrito a la imprenta, que le enviaran galeras, y luego revisarlas una y otra vez, con las respectivas re impresiones, mismas que, según nos confía Gautier, eran de suma complejidad para los tipógrafos, por lo que los editores, avaros, como suelen ser en los países en los que sí se venden libros, optaron por pasarle la factura de todos los gastos en los que se incurría en esas revisiones, sacrificando así parte de sus menguados ingresos, sacrificio que el autor no desdeñó en aras de la perfección de su obra. Pocos libros nos hacen compenetrarnos realmente en la vida de un autor, este sin duda es uno de ellos, y que al ser realizado a su vez por un autor que sabe los secretos del trabajo, nos muestra el edificio, no como en una visita guiada, sino como una labor de ingeniería en la cual quedan a luz aún las líneas y engranajes más diminutos y principales de lo que fue el autor y la creación de obras como Séraphîta o La Misa Del Ateo, dejándonos el viaje por este entramado un sabor extraño, un sentimiento raro hacia esas obras y la constatación de que un hombre que fue capaz de, como él decía, hacerle la competencia al registro civil en la cantidad de personajes que ideo y a los que dio vida, era también humano, lastimosamente aún no se hacen realidad las palabras que Victor Hugo dijera en su funeral: A partir de ahora los ojos de los hombres se volverán a mirar los rostros, no de aquellos que han gobernado, sino de aquellos que han pensado.

reencontrarnos con los libros que aún sin haber leído nos construyeron

2009-05-07T11:32:00.000-07:00

Hay escritores cuyo influjo es tan fuerte que nos influyen aún sin nunca haberlos leído, lo recordaba anteayer por la tarde, mientras caminaba por el centro histórico, ese espacio frío y anacrónico en el que diariamente confluyen rockeros, merolicos, poetas, achimeros y yonquis, y me topé con un viejo amigo pintor, con quien sin duda tengo una gran deuda y que no fue sino hasta ese momento que lo hablamos, desde siempre sentí un secreto interés por los libros, incluso por ser escritor, pero coherente con mi entorno, nunca me nació un interés real por hacerme de libros, como no fueran los que por casualidad llegaban a mis manos, por lo que cuando escribí mis primeras líneas, estas nacieron más por la influencia que la música que escuchaba ejercía en mi, que por un proceso de tipo intelectual, lo que hizo a su vez que tuviera mucho de fortuito y enigmático. A mediados de los 90’s un amigo tenía en el Edificio El Centro un espacio en el que, entre otras cosas, leía las cartas del Tarot, pero en el que los sábados nos reuníamos con un grupo de pintores ha conversar de los temas más diversos, la idea de él era hablar de esoterismo, lo que en realidad pasó a un segundo plano, fue ahí que conocí a este amigo pintor y quien nos contaba historias que a él le habían contado, pero que no sabía quién era el autor de las mismas, pero que generaron en mí una influencia muy fuerte y que me incitaron a escribir mis primeros cuentos, con los años y las primeras lecturas no tardé en descubrir que dos de esas historias llevaban por nombre El Inmortal y El Evangelio Según San Marcos y que su autor era Jorge Luís Borges, pero habían más y no fue sino hasta hace como dos años que lo encontré y le pregunté al respecto, fue entonces que me dijo que ya había descubierto que el autor era Horacio Quiroga y los cuentos, entre otros, eran El Almohadón De Plumas y La Gallina Degollada. Con respecto a mi encuentro con la poesía la historia no difiere mucho, el año ’93 era uno en el que el metal sonaba con más fuerza en la ciudad, algo a lo que uno no podía eximirse, hasta que un día uno de mis mejores amigos dispuso llevar al colegio un cassette con el soundtrack de la pelicula The Doors de Oliver Stone, esa tarde muchas cosas cambiaron y empecé a escuchar más y más a esta banda, hasta volverme realmente fanático de la misma, no fue sino hasta un año más tarde que en Panajachel vi por primera vez la película, filmada en el año ’91 y en la que queda plasmada la magia de una época que muchos quisimos vivir y de una vida que muchos quisimos imitar, en el mismo pueblo había una librería de usado, como las hay muchas en el lugar, especializadas en libros en inglés y donde encontré el libro No One Here Gets Out Alive de Jerry Hopkins y Danny Sugermann, en el que se basó la mencionada película, este libro sin duda, más que cualquier poemario, fue la única y decisiva influencia para que a mi me diera por escribir poesía, hay, sin duda, cosas a las que estamos llamados desde siempre y aún cuando lleguen de manera misteriosa y lenta a nuestras vidas, siempre terminarán por llegar.

No siempre el pop fue tan ingenuo ni tan light

2009-04-30T15:03:00.000-07:00

Hace unos días y mientras vagaba por el YouTube me topé casualmente con la mirada de Pennywise, hacía tantos años que no le veía a los ojos, y sin embargo sentí su mirada tan fresca como la primera vez que lo vi a través de una TV de aquellas a las cuales había que acercarse y girar una manecilla a fin de poder cambiar los canales, ese reencuentro tan casual trajo algunas cosas a mi memoria, pero más que nada me llenó de dudas, pues a ciencia cierta no recordaba mayor cosa de la película y empecé a preguntar con las amigas, la respuesta era siempre la misma, que gracias a ese maldito payaso habían crecido aborreciendo a los payasos, hasta que un amigo, que si se toma en serio lo de ser coleccionista, me comentó que tenía la película original, la t-shirt oficial y el muñeco del mismo. Pues bien resulta ser que proviene de una novela llamada It, escrita por Stephen King, sí, el genio del marketing de terror y uno de los autores predilectos de Harold Bloom, cuando de lanzar sus dardos más despiadados se trata claro, publicada en el año ’86 y nos cuenta como en la pacifica e idílica comunidad de Derry hay alguien en el subsuelo con serios intereses por sembrar el terror, alguien a quien llaman Eso y que periódicamente va generando violencia en la superficie, hasta que se decide por subir a ver qué pasa por las calles y no encuentra una mejor forma física que la de un amable payaso que poco a poco se torna despiadado, más aún cuando se enfrenta a una pandilla de chicos que llevan el peculiar nombre de Los Perdedores.

Continuando con mis andanzas de ese día por YouTube me encontré con otro personaje de mis pesadillas, a quien sí recordaba perfectamente, Freddy Krueger, epicentro de las películas A Nightmare on Elm Street, y uno de nuestros asesinos en serie favoritos, el más pop de todos sin duda, quien reside en la ciudad de Springwood, en el No. 1428 de la calle Elm para ser exactos, desde donde empieza a planificar el asesinato selectivo pero a la vez masivo de niños, hasta ser detenido y enjuiciado, quedando libre debido a un error burocrático, por lo que los enardecidos vecinos deciden tomarse la justicia por mano propia y quemarlo vivo, o sea la historia pudo haber sucedido en cualquier ciudad de este país, lo que la hace diferente es que con los años Freddy vuelve del infierno y se refugia en un viejo cuarto de calderas a donde atrae en medio de sus pesadillas a los chicos de la ciudad para asesinarlos. Para muchos de nosotros este fue sin duda uno de los personajes más cercanos, primero porque quien aparecía como padrastro de Freddy no era otro que Mr. Alice Cooper, un icono del Glam Metal, y para no desentonar el sound track era también de otra banda Glam, Dokken con el tema Dream Warriors que aparecería en el Ep del mismo nombre, publicado en 1,986, y en el cual se incluían además los temas Back For The Attack y Paris Is Burning, una época en la que el Heavy Metal ocupaba los espacios más preponderantes de la industria musical, misma que a nosotros nos tocó vivir de manera desfasada, ya que nuestros cines y canales locales traían las películas con tres y hasta cinco años de retraso, con lo que los éxitos de los 80’s acá fueron éxito en los 90’s.

Con la homogenización de la cultura pop, como único valuarte occidental moderno, fueron cobrando forma las llamadas leyendas urbanas, muchas de ellas nacidas del cine o la TV, o que al menos empleaban dichos medios a fin de llegar a las masas, lográndolo de una manera exitosa, con lo que los sueños y pesadillas de todas las nuevas generaciones llevan generalmente un logo de Made In USA, desplazando así las idiosincrasias y los mitos locales, lo cual nos ha uniformado en cuanto a nuestra identidad, y en lo que fueron muy diestros, pero es innegable cuanto disfrutamos de esa cara poco amable del pop y cuanto extrañamos hoy día esos iconos que alguna vez no nos dejaron dormir, pero por si alguien ha recuperado el sueño ya, ambas películas prometen remake o secuela para el año entrante, o sea que la pesadilla continua…

nuestra secreta reticencia a aceptar la transitoriedad

2009-02-13T11:44:00.000-08:00

Desde siempre he sentido cierta afición por los periódicos, por lo que desde finales de los 90’s los colecciono, como si de libros se tratase, en especial lo relacionado a secciones o suplementos culturales, con lo que he logrado ya formar una pequeña hemeroteca personal, por darle un nombre, de la cual hecho mano con suma frecuencia respecto a los temas más dispares, recientemente me dio por regresar a autores básicos de los 90’s como Bret Easton Ellis, Alberto Fouguet, Douglas Coupland o Edmundo Paz Soldán, con lo que recordé una serie de artículos al respecto, como de costumbre me puse a buscar pacientemente en dichos diarios.
Luego de un par de días de búsqueda me dio por ver en sitios alternos, y sí, justamente en otro sitio donde guardo otro tipo de papeles, relacionados con la música metal, encontré un grupo de periódicos, en los cuales tampoco estaban los que aún busco, pero sí un articulo escrito por Sergio Morales Pellecer, acerca de la editorial X y uno de Alejo Schapire acerca de Michel Huellebecq, ambos en elAcordeón y del 2,001, lo lamentable del hallazgo es de que ya las polillas se me habían adelantado y habían comido buenas partes de estos artículos, afortunadamente y como prueba fehaciente de mi obsesión, al continuar husmeando noté que se podría decir que tenía back-up de los mismos, pues tengo dos ejemplares de cada uno.
Lo anterior me hace caer, una vez más, en ese asunto de nuestra obsesión por evadir nuestra transitoriedad como humanos, como seres efímeros pertenecientes a un tiempo perecedero, algo que pretendemos si no negar al menos amainar mediante la escritura de diarios, libros o, como en mi caso, mediante la acumulación de discos, periódicos, cartas y libros, cosas que además con la llegada de la era digital irán sin duda quedando atrás, pero aún con esto, siempre existirá ese deseo por atesorar lo que algún día fuimos, por recordar, mediante objetos, a esas personas con las que estuvimos y de igual forma dejar rastros de que alguna vez existimos, es esta en esencia la parte que nos duele cuando dichos rastros desaparecen y se pierden. Es sin duda esto lo que hace tan trágica la quema de libros y lo que nos hace, a algunos, ver en las bibliotecas una especie de catedrales, pues en cada libro se reciclan una y otra vez tantas vidas, las vidas que nunca vivieron personajes que nunca existieron, la vida de autores que quisieron perpetuar su presencia y su época, pero además las vidas de los lectores que de una u otra forma van girando en torno a ese libro, en el cual se mezclan impúdicamente el deseo de perpetuarse del autor y el deseo de no olvidar del lector.
La existencia resulta siendo un incomprensible laberinto del cual nadie quiere escapar, aún si, como J.D. Salinger, el ser humano trata de ocultarse de los demás, deja siempre un leve rastro mediante el cual hacerse perceptible y más aún, no importando cuanto se oculte ni que tan lejos se vaya, siempre llevará dentro de sí eso que es memoria, eso que alguna vez fue, eso que en cada documento que atesora cree poder retener y sin embargo no es así.

hay momentos en que es mejor mantenerse unplugged

2009-01-13T10:07:00.000-08:00

Es tan fácil escribir poesía y tan difícil ser poeta, hoy día es tan fácil editar un libro de poesía y tan difícil que este sobreviva dignamente al paso del tiempo, sin embargo nos hemos ido acostumbrando tanto a ello que no lo notamos o al menos fingimos de muy buena forma no notarlo y siempre cuando se nos pregunta si leemos poesía nuestra respuesta es afirmativa, aunque en el fondo sepamos que no es más que una cuestión de mantener la apariencia, de evitar ser vistos como poco profundos al no hacerlo. Desde hace ya un tiempo me di a la tarea de pensarlo, y en verdad, por esas cosas que suceden sin que las notemos, hace tanto tiempo que no leo poesía y si la leo es siempre la misma, un constante volver hacia esos libros que en realidad me han marcado y con los cuales difícilmente lograría armar un top ten, pero con los cuales siempre logro alcanzar ese punto máximo al cual se supone debe llegarse al momento de leer un poema, algo que al inicio me sucedía con suma frecuencia, pero que en la actualidad por más que leo y leo no logro encontrar otra cosa que no sea una larga sucesión de palabras delirantes con las cuales no logro conectarme. La literatura en su fase poética fue desde siempre el asidero dentro del cual el ser humano hallaba un refugio o una manera de expresar su perplejidad ante la vida, de leer en otros, y de una manera más bien sublime, esas pequeñas cosas que conforman la vida y que se le hacía imposible explicar o comunicar, claro que dicho espacio desde hace mucho tiempo que lo ha ocupado la música pop y hoy en día suena mucho más cool regalar un CD que un poemario, y así transmitir esa idea, o esos sentimientos en el mejor de los casos, que intentamos trasladar a determinada persona. Pero la tecnología nos ha ido alcanzando a todos, incluso eso de llamar a la radio para dedicar un tema, como en aquella vieja canción, a quedado en desuso, hoy es más cómodo enviar un mp3 por MSN, y de esta manera mantener el vinculo, pero y qué queda de la poesía, creo que queda el sentimiento abstracto, ese que se ha perdido, ese que como todo hoy día se ha banalizado, y que es quizá lo que busco y no encuentro en todos y cada uno de esos poemarios que se publican en la actualidad en cantidades industriales y que quedan abandonados en empolvadas bodegas de igual manera y es quizá escapar de todo eso lo que busco al reencontrarme con cada uno de esos viejos autores que conforman mi escaso inventario de poetas favoritos, transcurren tiempos poco poéticos sin duda.

la técnica de observar sin ser observado

2008-12-30T16:13:00.000-08:00

Cuánto esfuerzo es necesario para, como individuo, eximirse de la sociedad dentro de la cual se subsiste y analizarla desde una prudente distancia, pero al mismo tiempo ser incapaz de renunciar a su entorno, vagar anónimamente por las arboledas de las largas avenidas o sobre las maceradas piedras de los ennegrecidos callejones, recostarse sobre el cristal de la última ventana del más alto rascacielos o en la oxidada baranda del más miserable de los tugurios, ver a las top models del momento desfilar por la TV y a los locos perderse en las plazas, ambos con un destino indefinido, intentar refugiarse en una interminable biblioteca o en una pequeña y vieja cantina, ser una sombra, a veces inerte a veces cambiante, ir tomando nota de todo y de todos en algo que alguna vez fingió ser cuaderno y a pesar de esas notas, que en teoría todo lo contienen, no poder detener el inexorable paso del tiempo ni poder recortar las largas rutas de la distancia…

esa inevitable incertidumbre al entrar a la academia por la puerta de atrás

2008-11-11T10:18:00.001-08:00

En los últimos días la ciudad de Salzburgo, Austria, no ha tenido mucho que envidiarle al libro Los Angeles Del Infierno de Hunter H. Thompson, claro que luego de tantos años ya sólo el look queda, el salvajismo paulatinamente se fue dejando atrás y el Heavy Metal a pasado a ser objeto de sesudos análisis por parte de los académicos reunidos en el primer congreso mundial respecto al genero, creo que llegan un poco tarde a algo que más que un genero musical, es uno de los movimientos contraculturales que más a cambiado la forma de ver el mundo y la industria musical en las últimas décadas. Desde siempre la rebeldía dentro de las sociedades se ha manifestado en dos formas, la primera, la más pragmática y coherente, que es mediante el uso sistemático del pensamiento como oposición al sistema establecido hasta, mediante la unión de elementos e individuos afines, lograr el cambio o la eliminación del mismo y la segunda, la más ingenua y frecuente, que consiste en la autoanulación del individuo inconforme, no respondiendo a los cánones de la sociedad en la que se desarrolla sino optando por el margen mediante el abuso de drogas legales o ilegales, convirtiéndose en un no-ciudadano de ese grupo social del que reniega. El Heavy Metal (término acuñado por William S. Burroughs en su novela La Maquina Blanda publicada en 1,961) desde sus inicios fue una mezcla de ambas, pero a la vez paradójicamente pasó a ser uno de los géneros más rentables y codiciados por las disqueras y por las comercializadoras de espectáculos, poseedor como ningún otro movimiento en la historia de una inmensa red de fans que hacen publicidad gratuitamente, llevando todo tipo de souvenir´s de las bandas que lo ejecutan, convirtiéndose en un entramado que, a diferencia de los artistas comerciales, no necesita de tanta publicidad para convocar a multitudes que religiosamente llenan los estadios donde se presentan, descubriendo así que la rebeldía vende y que vende bastante. Los artistas no tardaron mucho en notar aquello de que la chica que se quedaba rebelde para toda la vida terminaba siendo la vieja histérica y amargada de la cuadra con 13 hijos, de distinto padre cada uno, y que el chico terminaba siendo el viejo desquiciado que dormía tirado en la esquina y sólo se levantaba para pedir unas monedas y comprarse una botella de alcohol hospitalario, un final que sin duda no les pareció nada gracioso, con muy contadas excepciones, y se dedicaron a acumular fama, fortuna y chicas fáciles, los que si se tragaron el cuento fueron muchos de los fans, pero eso supongo que no llegará a ser ni al menos una nota al pie de pagina de la historia del Heavy Metal. Todo lo anterior hace de este uno de los movimientos más fascinantes, uno que definitivamente a muchos, desde muy temprana edad, nos cambió la vida, planteándonos una forma totalmente distinta de confrontar la sociedad en la que nos desarrollábamos, creándonos un sentido de pertenencia y una conciencia de grupo, que en otros géneros no suele ser frecuente, pero que hoy en día se mantiene más por tradición que por novedad, y es que quiérase o no, en los últimos 20 años no se ha visto nada nuevo bajo los reflectores, pues un genero entra en conmoción cuando en vez de reinventarlo se limitan a reciclarlo o lo que es peor a simplemente imitarlo, que es lo que realmente ha pasado en los últimos años, corriendo el riesgo de llegar a colapsar, algo que de momento no se ve factible, pues las viejas bandas afortunadamente continúan bastante saludables, pero qué pasará cuando por fin achacosas y decrepitas desaparezcan, será que esas bandas que simplemente se dedican a fotocopiar lo ya hecho por esas agrupaciones legendarias podrán mantener en pie la bandera del Heavy Metal, a lo mejor y nada de eso importa, pues para nosotros y para muchas generaciones más, aún con todo ello, o más bien por ello mismo, seguirán en nuestros cerebros resonando una y otra vez las voces de Ian Gillan, Blackie Lawless o J.D. Kimball…

the show must go on

2008-10-08T15:34:00.000-07:00

En una reciente entrevista, concedida a la agencia Associated Press, el secretario de La Academia Sueca, Horace Engdahl, comentó: EEUU es demasiado insular, está demasiado aislado. No traducen lo suficiente y no participan en el gran dialogo de la literatura. Este tipo de ignorancia les limita. Son demasiado sensibles a las modas de su propia cultura de masas... En apariencia el académico no deja de tener cierta razón, al denunciar lo que la cultura de mercado ha hecho actualmente con la literatura, no sólo en Norteamérica, sino a nivel mundial, ya que en Latinoamérica también empiezan a pulular diversos escritores de diseño, que nos venden como el último grito de la moda literaria, aunque es necesario reconocer que generaliza demasiado a un país que además cuenta con autores reales y profundos. Ahora bien, veamos un poco a esa Academia Sueca, a la que él representa y que es la encargada de elegir al Premio Nobel De Literatura, un premio que ha pasado a ser la versión adversa a esa literatura Light que el académico, de manera implícita, critica, lanzándonos siempre en octubre a un nuevo Best Seller, que viene a ser algo así como un producto no tradicional dentro del mercado, pero que está dispuesto a ganarse a toda costa su puesto dentro del mismo y es que, tanto el mercado como la academia, parecieran estar enfrascados en una batalla mediática para ocupar el mejor puesto de las vitrinas en los supermercados, con algo que podemos denominar como no-literatura, pues si bien lo que las grandes editoriales nos presentan son libros sumamente superficiales, lo que el Nóbel nos ha dado en los últimos años parecieran ser libros con un valor agregado, selecciones en las que parecieran pesar más las tendencias políticas y humanitarias del autor que el nivel literario que halla alcanzado dentro de su obra. Y es que sucede que si alguien que no es comunista, socialista renovado, simpatizante de algún grupo terrorista tercermundista, feminista, indigenista, pacifista, ecologista, defensor de los animales, globalofobico o anti neoliberal, por esas necedades de la vida, tiene la simpática ocurrencia de dedicarse a las letras, es alguien que de antemano está condenado a no ser uno de los grandes nombres del canon sueco, de por sí el adentrarse en el listado de los ganadores del premio Nóbel es como visitar una guía telefónica, en la que ineludiblemente más de algunos nombres nos suenan conocidos, pero en la que la mayoría son unos perfectos desconocidos, claro que en la actualidad todos los ganadores tienen garantizados sus respectivos 15 minutos de gloria, pasados los cuales se esfumarán en la cloaca literaria más cercana, tal y como tarde o temprano sucederá con los autores prefabricados ultra Light de los que tanto reniegan los académicos.

La entrega del premio ha sido controversial desde siempre, pero últimamente el malestar se ha hecho más notorio, en especial a partir de la renuncia del académico Knut Ahnlund, quien puso muy en claro toda la banalización que ha venido sufriendo paulatinamente el mismo, al incidir en la selección aspectos totalmente extraliterarios, pero, como toda franquicia moderna que se precie de ser tal, continua y continuará creando expectación y enormes volúmenes de ventas y nosotros, los que vivimos obsesionados con las fluctuaciones del mercado intelectual y las tendencias de la moda literaria, estaremos a la expectativa el día de mañana para saber quién gana este año, por aquello que decía Monterroso, de que en literatura no hay nada escrito.

el suicidio no siempre es una gran idea, a veces surge por casualidad…

2008-10-07T10:22:00.000-07:00

El 13 de septiembre recién pasado David Foster Wallace fue hallado por su esposa colgado de una cuerda, en su casa de Claremont, California, frío, trémulo y oscilante, cómo había sido a lo largo de su vida literaria, moviéndose con soltura entre el reportaje, el ensayo, la novela y el cuento, clara síntesis del escritor pop (no confundir con superficial) de nuestra época, quien realizó un verdadero trabajo de disección de la cultura actual, en su novela La Broma Infinita, publicada en 1,996, y en la que llevó a sus últimas consecuencias, casia al absurdo, a este mundo que cada vez toma más la forma de un enorme supermercado, en el que todo es un producto más: creencias, ideologías, movimientos culturales y por qué no decirlo las mismas corrientes literarias, de lo cual él, a pesar de llegar a ser un best seller, intentó de cierta forma eximirse. Pero más que eso, más que sus libros, este autor con aspecto de rockero de los 90’s, nos acerca una vez más a ese abismo que con sutileza solemos ignorar y al cual alguna vez ya nos habían acercado escritoras como Alejandra Pizarnik o estrellas de Rock como Wendy Orlean Williams: el suicidio como una forma de protesta a un mundo que no es compatible con nuestros ideales o simplemente un patético acto de cobardía ante una realidad que no resultó ser lo que imaginábamos y que en verdad es más grande y monstruosa que nuestras miserables fuerzas intelectuales, en las que secretamente nos ocultamos en silenciosas y apremiantes tardes de lectura o en el mejor de los casos escritura. En la actualidad hay una serie de puntos de conexión a los que el ser humano debe estar atado cotidianamente, no porque esté programado para ser así, sino como meros condicionantes de su existencia en sociedad, puntos que cuando se pierden o son endebles orillan al individuo hacia un margen en el cual se siente incomodo, quedando prisionero de un desasosiego que con el tiempo se va ahondando, hay quienes se sumergen en la adicción, hasta que ésta les lleva a un punto de no retorno, cuya característica básica es una autodestrucción que les permite el inhibirse de esa realidad que son incapaces de soportar, otros intentan refugiarse en un plano intelectual que en cierta forma les permite desentenderse de esa perdida de conexión y quedan los últimos, los que simplemente abren la escotilla de emergencia y saltan fuera, David Wallace, en cierta forma, fue una síntesis de las tres, escritor genial que retrató todo ese malestar interno producto de la vacíes contemporánea, análogamente padeció 20 años de depresiones, dependiente de antidepresivos, cuyos efectos secundarios llegaron a serle insoportables y finalmente llegó a un punto, en el que como señalara su padre, James Donald Wallace, Probó de todo. Simplemente no pudo resistirlo más.

Decir que esto es propiedad exclusiva de intelectuales, actores o estrellas de rock sería ocultar una realidad a la que cotidianamente se enfrentan un sin numero de personas que ni escriben ni componen ni leen, pero que tampoco pueden escapar al vacío y simplemente ven desde una empañada ventana un mundo que, aunque les sumerge, no les compete y se van negando silenciosamente a sí mismos, hasta dejar de ser incluso ese numero que alguna vez fueron dentro de esta sociedad cada vez más uniforme, que olvida que no todos los entes que la conforman tienen la capacidad de asimilarla como tal, se van quedando rezagados en sucias cantinas, en leprosos callejones o frente a una fría computadora, incapaces de crear puntos de conexión individuales, hasta que muchas veces optan por presentar su carta de renuncia, incapaces de sobreponerse a la cada vez más grande soledad colectiva de hoy en día, en cierta forma esta es la verdadera broma infinita…

la noche de un día duro

2008-09-18T11:37:00.000-07:00

a la memoria de Chris Witchhunter

La ciudad de Guatemala amaneció inmersa en una densa e inusual bruma, todo parecía transcurrir más lento bajo la levedad de la brisa, en las esquinas los diarios mostraban en portada la imagen de un joven colgado luego de ser quemado vivo, acusado de asalto y violación, algo que en un país donde se linchan cinco personas al mes no es noticia, pero que siendo el día 17 de septiembre no dejaba de recordarnos un poco el estado en el que, de ser cierta la leyenda, sin lugar a dudas quedaron los ciudadanos de la vieja Sodoma luego de una inmisericorde lluvia de fuego y azufre.
Y es que ese nombre venía dando vuelta en nuestras mentes con insistencia desde hace tres meses cuando se supo de la venida de los alemanes Sodom, una banda que en el país empezó a sonar a finales de los 80’s en el programa que Roberto González, Blacko, dirigiera en la emisora La Voz Del Hogar, posteriormente tomaría más fuerza en Revolución Rock con su álbum en vivo The Mortal Way Of Live.

El resto del día transcurrió entre la normalidad de los horarios y las llamadas de los viejos amigos, constatando si aún nos gustaba la misma música y de ser así, si aún nos acordábamos de dicha banda, cuyos Lp´s empezaban a desempolvar con la esperanza de un autógrafo, pasadas las 7:00 P.M. por fin la llegada al centro histórico, en donde se ubica La Bodeguita Del Centro, un sitio que a mediados de los 90’s nació como una replica de uno existente en La Habana, Cuba, con el fin de ser un centro cultural y a la vez un asidero para los intelectuales de izquierda, pero en un país donde nadie lee y la izquierda nunca se ha consolidado, con partidos que han desaparecido una y otra vez, al no lograr ni el 5% de votos básicos, pasados unos años quedó en el olvido, utilizándose de vez en cuando como sala de conciertos.

El sector es la parte de la ciudad donde se concentra el área de trabajo de una cada vez más grande comunidad de travestis, quienes al ver tanta gente de negro optaron por irse a las esquinas aledañas, lo primero que nos topamos fue a los viejos amigos de El Salvador y de Nicaragua, y las primeras cervezas fueron en un sitio donde en grandes pantallas transmitían un encuentro de foot ball local, aún quedaba algo de cola para cuando llegamos, minutos más tarde hicieron acto de presencia los integrantes de Sodom, era el momento preciso para entrar, el ambiente era calido, infinidad de rostros conocidos, todos aglutinándose al frente gritando al unísono el nombre de la banda estelar, desde el segundo nivel la vista era impresionante, pero tratándose de esta banda, había que estar en el mosh (slamdance) por lo menos una vez.

Habíamos esperado muchísimos años para ese minuto y de pronto se dio, Tom AngelRipper, Bobby Schottkowski y Bernd Kost en el escenario, a mi mente volvió el 7 de agosto de 1,993, en el salón Guatemala Musical, donde Blasphemous tocaba un cover de Blasphemer, en esa época nunca hubiéramos imaginado tenerlos acá, y yo estaba ahí entre aquella multitud que se estrellaba inmisericorde una contra la otra y con los integrantes de Sodom a menos de dos metros de distancia, era algo que en definitiva costaba creer, más aún cuando anunciaron Sodomy & Lust, luego le sucederían Blasphemer, Witching Metal y Bombenhagel, realmente a mi me gustan únicamente los primeros discos, pero el concierto fue algo que viví de una manera impresionante de principio a fin, era la primera vez que veía en concierto a una de mis bandas de metal favoritas y realmente superó todas mis expectativas, fue como estar en un remake de The Mortal Way Of Live.

Al salir la gente deambulaba por todas partes, algunos en busca del camino a sus casas, otros en busca de alguna cantina aún abierta y la lluvia empezaba a tomar fuerza, uno que otro envase quebrado en la vía publica nos recordaba que aunque la civilización ya está aquí, algunos aún no se han enterado…

aparezco en google, luego existo

2008-08-22T14:49:00.000-07:00

El mono, si mal no recuerdo, viene siendo según los darwinistas algo así como nuestro bisabuelo y según los creacionistas más o menos nuestro primo hermano, pero es innegable que más de algo debemos de tener en común con dicho primate, en especial esa obsesión por figurar siempre, con la expansión de la red se nos ha permitido abandonar nuestro entorno para lanzarnos al plano mundial con apenas unas horas de trabajo semanal, sin incurrir en mayores gastos económicos y omitiendo lo engorroso que tener un website podía llegar a ser, ahora contamos con redes sociales gratuitas como Hi5, Facebook, MySpace o el Blog y adherirnos a una, aún incipiente, cibersociedad cada vez más grande. Cuando a uno le dan un nombre lo primero que hace es rastrearlo a través de Google y si no aparece, queda el sentimiento de que se trata de alguien inexistente, no importa qué tanto se tenga que decir, lo importante es estar, de esa cuenta vamos contando nuestras vidas a través de perfiles de Hi5 o de Facebook, en los cuales se despliega una cantidad inconmensurable de fotografías que nos describen la cotidianidad de las personas, otros vamos contando nuestras inquietudes a través de un blog o existen quienes plantean a la opinión publica sus proyectos musicales a través de un MySpace.
Pero, ¿qué nos hace tan necesaria la participación en dichos espacios?, creo que la palabra básica es soledad, ese temor a vernos todas las mañanas ante el mismo espejo y ser los únicos espectadores de lo que sucede en nuestras vidas o ese silencioso temor de quedarnos en un limbo intelectual en el que únicamente nos leamos nosotros mismos, el ser humano hoy en día se siente más desolado que nunca y es cuando más compañía busca, cuando se está vacío por dentro se siente aún más el peso de la soledad, entonces que mejor que contar eso que somos, creemos o deseamos ser, en un espacio de alcance ilimitado, que nos permita, si no borrar, al menos amainar un poco esa profunda soledad, eximirnos del entorno y pasar a ser lo que internamente soñamos ser. Algunos, los pocos ajenos al fenómeno, se preguntarán qué sentido tiene configurar espacios que nada más salir de la habitación se quedarán confinados a una pantalla y a una red intangible, pues simple y sencillamente es una forma de negar la nada, una formula personal de llenar ese secreto resquicio que muy adentro nos carcome incesantemente, que no es el temor a la muerte en sí, sino el temor a dejar de ser, el temor a pasar a ser parte del inventario de eso que llamamos La Nada, el ser humano respondiendo a esa necesidad perpetua de trascender para no desaparecer en medio del más inmisericorde anonimato, transmite sus ideas, o la total falta de las mismas, según sea el caso, hacia otros seres igual de anónimos, contactos distantes que nos recuerdan que, aunque el vendedor de caramelos no se atraviesa la calle para saludarnos por nuestro nombre ni el vendedor de ropa interior para damas de la esquina se acerque a pedirnos un autógrafo, existimos. Miles de cibernautas aquejados con el Complejo de Eróstrato se van sumando día con día a una babel virtual en la cual no se necesita de estar vivo para participar, muestra de ello es la reciente apertura de un Blog con el diario que George Orwell inició el 9 de agosto de 1,938 y finalizó en 1,942, lo irán posteando día por día como si fuera tiempo real, igual no hay escritor contemporáneo que se precie de ser tal que no tenga su propio Blog, quizá no todos los blogeros lleguen a ser tan celebres, pero al menos para cuando nos hayamos ido continuaremos siendo información que vaga, junto a toda la demás basura, por el ciberespacio sin un rumbo definido y nos iremos tranquilos, con la secreta esperanza de que probablemente en unos 200 o 300 años un improbable cibernauta anónimo mientras googlea en la Luna o en Marte se entere por casualidad de que alguna vez existimos…

la construcción de un imaginario popular globalizado

2008-08-06T09:13:00.000-07:00

Desde hace un tiempo con suma frecuencia cuando se habla de pop automáticamente la gente tiende a asociarlo con Britney Spears, Christina Aguilera, Camila o Reik, minimizando todo lo que en general engloba el concepto pop, para centrarse en elementos que si bien lo conforman, lo hacen en su aspecto más kitch, en realidad hablamos de una cultura que desde siempre existió, proveniente de los estratos al margen de la llamada cultura con C mayúscula (que por siglos había sido reducto exclusivo de las elites más ilustradas), y que se conforma a partir de todas las expresiones que nacen del pueblo y de los artistas populares, calificados muchas veces como artesanos por no corresponder al standard, la misma abarca desde las danzas autóctonas hasta los personajes pintorescos que conforman el imaginario popular local, recibiendo la etiqueta, más cool si se quiere, de pop en el año 1,958, cuando Lawrence Alloway lo utiliza para referirse al arte. Conforme la modernidad fue tomando una forma definida, la cultura popular fue ensanchándose hasta convertirse en una verdadera industria, generando dos fenómenos: 1) lo que tradicionalmente se conocía como cultura pasó a ser una cuestión meramente marginal y 2) la cultura que habitualmente había sido pop, quedó sumergida por un nuevo imaginario global, pues esta nueva forma de hacer cultura pop es sumamente inmediata, accesible y masiva, desde niño resulta más fácil sumarse a un entorno global que limitarse al que por naturaleza nos corresponde, a este se accede con un simple control de TV o una conexión web, mientras que el imaginario local generalmente suena anacrónico y a la vez el costo intelectual de acceder a la gran cultura es totalmente engorroso, actualmente nos es más digerible y accesible la música de una banda conformada en Londres que la de un grupo autóctono o una obertura de Tchaikovsky, quedando en un punto intermedio que se caracteriza básicamente por lo seductor de los iconos que lo conforman. La pintura fue quizá de las expresiones artísticas que primero participó de esta apropiación y a la vez aproximación hacia los elementos populares, me viene a la mente Toulouse-Lautrec (1,864 – 1,901) un pintor que pasó la mayor parte de su vida en los burdeles parisinos, embebido en todo el sórdido mundo y el oropel de la prostitución, haciendo que su obra pictórica girara en torno al mismo, elevando a nivel de arte la realización de los carteles para los cabaret que frecuentaba, de los cuales los más connotados eran Le Moulin De La Galette, Le Moulin Rouge o el más famoso Le Chat Noir, una de mis obras favoritas por cierto, no sería, como mencioné al inicio, sino hasta finales de los años 50 que el concepto de pop art tomaría realmente forma, siendo Andy Warhol (1,928 – 1,987) su principal altavoz, revirtiendo el proceso de la industrialización de lo pop, al tomar todos los elementos comerciales y transplantarlos al arte, tal el caso de las famosas sopas Campbell, yendo un poco más allá de lo que el dadá, y en especifico Marcel Duchamp, habían hecho con el Rady-Made, al final de esta fusión nacen nuevos elementos, que hacen de la publicidad y de lo pop algo más estético así como del arte algo desacralizado y más cercano a la colectividad. La sociedad de consumo ha sido prolífica en eso de generar y fomentar iconos del pop, tan variados y pintorescos como Cantinflas, el Che Guevara, Ronald McDonald, Batman, Hulk (una versión pop de la ya clásica novela El Extraño Caso Del Dr. Jekyll Y Mr. Hyde publicada en 1,886 por Robert Louis Stevenson), David Beckham o Los Simpson (que han pasado a ser el más grande fenómeno social y cultural de nuestro tiempo), claro que heroes y personajes ficticios transplantados al imaginario popular habían existido desde siempre, como Ulises, Don Quijote De La Mancha o el Dr. Fausto, pero éstos habían nacido de una concepción netamente literaria y no como objetos o productos de mercado, que año con año facturan una cantidad inimaginable de dólares, con una producción enorme de películas, libros, afiches, t-shirt y los más diversos souvenirs, nunca habían llegado a su vez de una manera tan masiva y con tanto afán de homogenizar culturalmente a tan variado conjunto de grupos sociales y étnicos como en la actualidad. Muchos olvidan o ignoran quizá, que uno de los mayores puntos de inflexión dentro del rock, fue precisamente el Monterrey Pop Festival y que el mayor fenómeno pop del recién pasado siglo fue sin duda alguna precisamente el rock, en todas sus vertientes, siendo esta la primera música considerada masiva y que desborda las salas de conciertos o los salones de baile, como había sido tradicional, llenando sitios enormes e inhabitúales para un grupo musical con fenómenos como los Beatles o los Rolling Stones, que, como podemos ver en cualquier catalogo, obviamente aparecen registrados como música pop, no muy lejos de Michael Jackson o Madonna, ya que es a partir de ellos que con más fuerza el nivel de un músico se mide a partir de la cantidad de discos que vende y no de la calidad artística que el mismo pueda llegar a alcanzar, lo que a la fecha se ha vuelto norma también en el cine y en la literatura.
Pese a que nos sintamos parte del mercado o no, se nos presenta difícil imaginar nuestro pasado o nuestro presente sin la presencia de esa amplia gama de personajes, que han estado ahí como símbolos de cada época que hemos transitado, ya sea por revistas, por películas, por discos o por programas televisivos, el pop va ligado a nuestras vidas y a nuestra memoria de forma intermitente, de igual forma lo asociamos al recuerdo de nuestros seres amados, quién en la actualidad no recuerda el programa favorito de sus abuelos, las películas favoritas de sus padres o el disco que regaló a su primera novia, todas, expresiones de eso que se denomina como cultura pop, una que silenciosa y paulatinamente ha ido uniformando a las sociedades más dispares, para construir un imaginario hegemónico y a la vez en extremo consumista, pero creo honestamente que en el fondo estamos más identificados con lo pop de lo que suponemos o de lo que muchas veces quisiéramos estar.

hacia un pensamiento descafeinado y sin colesterol

2008-07-25T14:21:00.000-07:00

Dispersar ideas dentro de una sociedad es algo poco sano, eso a estas alturas lo saben de memoria tanto los interesados en dispersarlas como quienes se interesan porque no lo hagan, algunos suelen basar su criterio en hipótesis como que la revolución francesa nunca hubiera existido si antes no hubieran habido escritores incendiarios y poco convencionales como Diderot, Voltaire o Sade, claro que por esa época la difusión de las mismas a través de los libros era un proceso lento y quien sabe si tan efectivo como algunos quieren creer, con la llegada del siglo XX y los medios masivos las cosas se tornaron un tanto más peligrosas para el sistema establecido y situaciones como la de Tiananmen o Tlatelolco demostraron que el reprimirlas de manera frontal era contraproducente.
Por lo que no hallaron mejor forma de sabotear las ideas que crear un sistema de simulación de las mismas, que si bien llenaba esa necesidad del individuo de contraponerse a los parámetros impuestos, no permitía que el mismo se saliera de control, y lo que era más importante, dicho individuo a la vez no dejaba de ser una maquina de consumo, aún y cuando consumiera productos diferentes a los elegidos por la masa general, de la cual no quería sentirse parte, este es un proceso que silenciosamente y de manera más bien subversiva, si es que cabe el termino, se ha ido repitiendo constantemente en todos los movimientos que amenazan con ser contestatarios a lo largo de las últimas décadas.

Por mi parte, y para no perder la tónica de hablar siempre un poco de rock y otro tanto de literatura, tomo como ejemplo justamente dos situaciones relacionadas con los mismos, el Rock, como bien sabemos, había nacido con una seria marca de rebeldía, ya la aparición del movimiento Hippie y la oposición a la guerra de Vietnam habían dejado un mal sabor de boca en los 60’s, por lo que cuando aparece el Glam Metal las alarmas no tardaron en encenderse, según cuenta la historia fue un 14 de febrero de 1,973 que se conformó una de sus bandas insignia: Twisted Sister, una tan poco convencional, que no fue sino hasta 1,979 que por primera vez logró grabar un vinilo de 45 revoluciones, el I´ll Never Grow Up, Now!, algo que, a pesar del éxito obtenido en sus presentaciones en vivo, sólo consiguieron financiando la grabación ellos mismos, este single tampoco les abrió las puertas de ninguna disquera en EEUU, por lo que terminaron viajando al Reino Unido, donde hasta abril del ‘82 el sello de música Punk Secret Records les graba el Ep Ruff Cutts: What You Don´t Know, con cuatro temas, y el 18 de septiembre por fin lanzan su primer Lp, titulado Under The Blade,
En el año 1,984 aparece el video Stay Hungry, que contenía dos temas que revolucionarían al genero y a los adolescentes de esa época, We're Not Gonna Take It y I’wanna Rock, mismos que, junto a sus posteriores versiones en Lp, pasaron a ser de culto, en ellos era más que obvia la rebeldía contra maestros, padres y todo símbolo de la represión impuesta por el sistema, actitud que el Centro De Recursos Musicales De Padres, conformado y dirigido por esposas de senadores, consideró poco sana para la sociedad, por lo que en 1,985, los incluyó dentro del listado de Las Quince Canciones Más Asquerosas, siendo Dee Snider uno de los pocos metaleros que dio la cara por el genero, presentándose a declarar ante el comité del senado el 19 de septiembre de 1,985, donde hizo una seria defensa del metal, pero el campo estaba servido, el Glam Metal, con otras bandas como Dokken (1,978) o W.A.S.P. (1,982), era una amenaza para las buenas costumbres.

Al iniciar los años 80’s esta música empezaba a ser un referente para todos los jóvenes, es entonces que aparece una nueva corriente, a la que comúnmente se le conoce como Pop Metal o Hair Metal, que no es otra cosa que el Glam Metal en su versión light y creada básicamente en agencias de publicidad y no en un garaje como era tradicional en el Heavy Metal, dentro de ella podemos nombrar como paradigmática a la banda Mötley Crüe, Cuyo Ep Helter Skelter (1,984) no es malo, y que para abril de 1,981 había sacado su primer demo, re editándolo en mayo y convirtiéndolo en single en menos de un mes, ya para diciembre de ese mismo año salía al mercado su primer álbum bajo el titulo Too Fast For Love, sin lugar a dudas la palabra fast no era en balde, de igual forma sacaron en 1,983 el álbum Shout At The Devil, uno que pasaba por ser un coqueteo con el mal, pero que en el fondo no pasaba de ser eso, un mero coqueteo y una muy acertada forma de hacer marketing alternativo, eso que atrae a los consumidores poco convencionales, trabajo que sus dos manager, McGhee y Thaler, sabían hacer muy bien.
En sí lo que los distancia del movimiento original, es la transmutación de los ideales, pues en esencia el Glam era un genero nacido del deseo de rebelión, mientras que el Hair Metal nació del deseo básico de hacer dinero y tener fama, lo que es muy obvio dentro de la temática, pues de la noche a la mañana las letras de las bandas dejaron de ser una invitación a cuestionarnos la realidad de esta sociedad y pasaron a ser una simple invitación, un tanto salvaje si se quiere, a consumir desenfrenadamente, algo como: sé rebelde siempre y cuando consumas artículos rebeldes, los artistas explotaron al máximo el espectro hollywoodense y el mundo de las porno stars con tal de alcanzar la ansiada fama, creando en sus fans un imaginario totalmente banal, lo que no es malo, pero a la vez tampoco puede dársele el nombre de un movimiento que era honesto y rebelde, como muchos desconocedores del genero lo hacen hoy, llamar así a algo que en el fondo más que un factor de rebeldía se convirtió en una moda, cuyos peinados hasta la inolvidable Tina Turner utilizó, no es del todo coherente con la realidad.
Sus pasos serían seguidos por bandas que llegaron igualmente a ser muy exitosas tanto mediática como económicamente entre ellas Poison (1,983), Cinderella (1,986) o Winger (1,986), estos últimos por su parte fueron también una banda para señoritas bien portadas, aunque no tan trascendente en relación a las otras agrupaciones de su tipo, mala selección de agencia de publicidad sin lugar a dudas.

Más viejo, pero a la vez más actual, es el proceso dentro de la literatura, éste al ser menos mediático y tener un proceso de asimilación más complejo, a llevado un tiempo más largo de consolidación dentro de la sociedad, los libros fueron desde siempre un espacio desde el cual el autor logra cuestionarse sobre si mismo y sobre su entorno, como metáfora o como reflexión, algo que no siempre es cómodo para los pequeños grupos que deciden el destino de las grandes mayorías.
Aún y cuando los autores son a su vez un pequeño grupo, intentan, muchas veces desbordando el argumento literario, propiciar desde sus textos esas pequeñas objeciones que generan los grandes cambios y que tienen por objeto hacer de nuestro mundo si no uno totalmente ecuánime al menos uno más habitable, claro que existen esas dos tendencias, la que piensa en el acto de escribir como un mero asunto estético y quienes por el contrario lo plantean desde un punto ético, o sea como una necesidad del individuo de generar una implosión intelectual dentro de la sociedad que lo alberga, o encierra.
En este punto se puede hacer una selección meramente arbitraria, por mi parte propongo a Sartre, Camus y a Orwell, y una pequeña lista de sus libros más básicos: La Nausea (1,938), El Muro (1,939), El Extranjero (1,942), La Peste (1,947) y 1984 (1,948), que nos permiten ver al individuo y su entorno desde una perspectiva alterna, analizar, sin el apasionamiento de las ideas preinstaladas en nuestra mente desde la niñez, una existencia que no tiene ninguna razón de ser y que al no tener una explicación vamos llenando de objetos e ideales inútiles, que por un lado nos justifican y por el otro nos eximen del cotidiano temor a la muerte, sin notarlo nos atamos y nos justificamos mediante personas que nos acompañan, objetivos que deseamos alcanzar, ideas que nos obsesionan, todo en resumen no es más que nuestra negativa a aceptar tácitamente que simplemente somos una existencia superflua e intrascendente dentro de un universo absurdo.
Los personajes de los primeros cuatro libros ven a través de una vitrina el transcurrir de los demás mortales, sin mostrar sentimiento alguno, ante una cotidianidad que advierten sin un fin concreto, más que la reacción mecánica de los individuos hacia unos impulsos colectivos que responden a la costumbre y no a la razón individual, es quizá en La Peste en la que más hondo llega el análisis de esa colectividad, sumida en sus más mínimas instancias, al irse desintegrando paulatinamente a medida que la peste aniquila a los habitantes de la ciudad de Orán, el ser humano responde entonces a unas condiciones distintas a las sociales, desnudándose en su yo más interno y elemental, que no siempre es el más humano y el más lógico, mostrándonos como mortales impotentes frente a una realidad abrasadora, dolorosa y a la vez absurda y cuyo trasfondo es a su vez un panorama existencialista del fenómeno de vivir y de enfrentase a la nada por parte de unos personajes privados de los conceptos que llenan con un más allá el vacío perpetuo de esa nada.
George Orwell por su parte, alejado del existencialismo que pregonaban los dos autores anteriores, en su novela 1984 le da una forma concreta al absurdo que invade y decide la cotidianidad del individuo sociable o sociabilizado, la de un estado omnipresente, uno que le indica cómo vestir, qué comer, qué pensar y qué opinar, teniéndole bajo control las 24 horas del día y alterando constantemente sus niveles de pensamiento, para imponer los que al sistema convienen, a fin de mantener a la sociedad dentro de los limites de la sensatez pertinente a sus propósitos controladores.
Estas obras cambiaron o modelaron en mucho a la sociedad del siglo que las vio aparecer, en muchos casos fueron censuradas, como sucedió en el año 1,948, cuando la iglesia católica toma la determinación de poner todos los libros de Sartre en el Index Librorum Prohibitorum, un listado de obras proscritas por la iglesia y poco aconsejables para sus fieles, pero como sabemos la prohibición de los libros es una medida contraproducente, pues irónicamente induce a una duda generalizada por parte del público, disparando el nivel de ventas de los mismos, con lo que el existencialismo se extendió muchísimo, llegando a generar en una fuerte medida la revolución del 68 en Francia, de la que Sartre fue un inquebrantable fustigador.

La sociedad se arma como un confuso lego en el que diariamente se juegan los más variados intereses, las formas de dominación dentro de la civilización, a medida que el capitalismo se ha ido instaurando si no como poder al menos como ideal hegemónico, se han ido transformando, haciéndose cada vez más transparentes, no habiendo una mejor forma que la alteración de la oferta, esto en el campo literario ha sido toda una aventura, pues el mismo se ha ido modelando de tal forma que no permite espacio a divergencias, creando todo un entramado de transnacionales literarias que diariamente manipulan la fluctuación intelectual del momento, generando un circuito de autores totalmente light, que van de la novela fast food al libro de autoayuda, dos corrientes literarias bastante fashion hoy día y cuyo signo esencial es precisamente que no hablan de absolutamente nada, nos presentan un mundo perfecto en el cual los únicos imperfectos somos nosotros por no aceptarlo tal cual es y por no ser eficientes en el proceso de acoplarnos a sus esquemas, simplemente es la anulación del yo interno intelectual por un yo interno que lee pero que es insustancial, vendiéndonos la panacea de que leer nos hace ser interesantes, pero evitando a toda costa que del acto de la lectura nazca una reflexión que puede llegar a ser desasosegante para el individuo y quienes le rodean.
Hablamos de un autor seleccionado por la editorial y que concientemente acepta los lineamientos de esta respecto a qué debe escribir y cómo debe hacerlo, a cambio la editorial lo presenta como el más brillante ejemplar de su generación literaria en enormes anuncios y organizando largas y tediosas giras promociónales, eso sí, dicho autor debe ser conciente de que pasa a ser un individuo reciclable, pues si el tiraje no se vende en un termino de seis meses, los libros son recogidos y reciclados para fabricar los de la promesa literaria de la próxima temporada, de esta manera se ha logrado un monopolio de las letras, tanto en el sentido editorial como en el de la distribución, con grandes supermercados de libros, dejando atrás aquellas pequeñas editoriales que se preocupaban por ver que sus obras poseyeran cosas tan absurdas como las ideas y esas pequeñas librerías en las que podíamos encontrar un libro, que aunque había sido editado hace 20 años, aún estaba, cubierto de polvo, esperándonos en un oscuro rincón, hacer un listado de estos autores sería redundar, basta con acercarse a uno de esos supermercados de libros, ver los póster en la vitrina o esperar a que uno de sus dependientes, que por cierto no sabe absolutamente nada de literatura, se acerque y cándidamente le pregunte que si ya leyó el último lanzamiento de…

No forzosamente toda música o literatura made in agencia de publicidad es mala, pero más allá de que la calidad exista o no, hay que centrarse en el hecho de que son creadas con la finalidad de armar en nuestro subconsciente una concepción si no falsificada al menos domesticada de la realidad, siendo esta una manera sutil de dominar al individuo sin, en teoría, violentar su derecho de decisión, alterando de manera artificial sus opciones de selección dentro del mercado, sustituyendo las originales y profundas por otras superfluas y banales, pero que en apariencia son las que más se acoplan a su sentido de elección, al final no es malo ser consumista, lo malo es serlo y creer que no se es…

y sin embargo la censura continúa aquí

2008-07-10T16:24:00.000-07:00

Cuan intrascendentes son para la historia los sucesos de la existencia de un hombre de letras por mucho que este se esfuerce por hacer su mejor intento, es lo primero que viene a mi mente, mientras reflexiono acerca de Salman Rushdie, de quien hoy se anuncia le ha sido dado el premio Booker, en edición especial por cumplirse 40 años de la entrega de dicho premio, para su novela Hijos De La Media Noche, distinción que ya había recibido hace 15 años, por lo visto al esposo de la topmodel Padma Lakshmi la suerte le sonríe nuevamente, quien sabe si la calma también lo haga en sus secretas noches de desvelo. Y es que si me viene esa idea inicial es debido a que indudablemente a Salman Rushdie el mundo se le vino en pedazos aquel 14 de febrero de 1,989, cuando un grupo de furiosos fundamentalistas en voz de su líder emitían la famosa Fatwa, en la que se decretaba su inmediata pena de muerte por blasfemia, dado que según ellos la novela Los Versos Satánicos era una afrenta para sus creencias, a muchas personas, como a su traductor japonés Hitoshi Igarashi, realmente les costó la vida, el autor por su parte se vio forzado a pasar de la noche a la mañana a la soledad, al anonimato y a un aparente silencio, impuestos por la persecución, permaneciendo por mucho tiempo bajo el resguardo de las autoridades del Reino Unido.
Definitivamente a su yo interno no pudo acallarlo ni el temor, pues dos años más tarde aparecía una nueva obra suya Harún Y El Mar De Las Historias, todo esto debió ser de un impacto devastador dentro del esquema mediante el cual él se planteaba la vida, su cotidianidad indudablemente terminó opaca y presa de una indescriptible tensión, sin embargo hoy, al ver las notas acerca del premio y el autor, en su biografía ese cisma no ocupa más de dos líneas, así de simple, en la historia de la literatura quién sabe si llegue al menos a la mitad de una. Vale la pena reflexionar también respecto al entorno, ese del cual Los Versos Satánicos no fueron más que una leve premonición, un punto de inflexión sobre lo que esa persecución inició para nuestro mundo, pues con la caída del muro de Berlín se esperaba que todas esas formas de pensamiento caducas quedarían atrás, nunca nadie pensó en que los fundamentalismos, políticos y religiosos, revivirían con más fuerza y nuevas técnicas, en diversos bandos, nadie pensó en que a una artista se le montaría un juicio moral porque se le rompía el vestido o las brutales protestas por unas caricaturas aparecidas en un diario Belga, cosas de similar estilo se van gestando poco a poco en nuestras sociedades y en las ajenas, nos acosa silenciosamente el serio intento de que el oscurantismo de nuevo caye nuestras palabras y ahogue nuestras ideas, con monstruosas amenazas de guerras apocalípticas, hemos perdido esa confianza y ese sentido de que la libertad era plenamente nuestra, en el fondo quizá esa sea una perdida más lamentable que el hecho de pensar en lo intrascendentes que como individuos podemos llegar a ser dentro de la historia de una masa que se esmera por sobresalir.

the return of darkness and evil

2008-06-06T12:01:00.000-07:00

a Quorthon Set

Cuando el 16 de marzo de 1,983 Quorthon Set, Fredrick Hanoi y Jonas Akerlund se reunieron por primera vez, en las afueras de la tienda de discos Musikbörsen, Estocolmo, Suecia, nunca imaginaron la manera tan tajante en que transformarían la historia del metal, siendo el motivo de dicha reunión la formación de una banda, cuyas intenciones eran sonar de la manera más infame que banda alguna en la historia lo había hecho, y lo consiguieron, los elementos de que se valieron estos chicos de 17 años fueron un libro con grimorios de magia negra del siglo XV y un sonido que sencillamente más que romper con los limites de la estridencia, hacía sentir un breve anticipo de lo que en teoría se describe como el infierno, tomando como nombre para la recién nacida agrupación el apellido de la condesa Erzsébet Bathory, famosa por su legendaria afición al sadismo y a la sangre (llevada al cine recientemente por el director eslovaco Juraj Jakubisko), fue así como el 19 de enero del año siguiente grabarían sus primeros dos temas: Sacrifice y The Return Of Darkness And Evil, que aparecería en un compilatorio, junto a bandas hoy legendarias, como los suecos de Trash o los finlandeses de Oz, a esto le seguirían los discos: Bathory (1,984), The Return… (1,985), Under The Sign Of The Black Mark (1,986), Blood, Fire, Death… (1,987), Hammerheart (1,990), Twilight Of The Gods (1,991) y otros, dichos álbumes fueron grabados con una nueva alineación, siendo la más consistente la conformada por: Quorthon Set, Vvornth y Kothaar.

Un año atrás, en Inglaterra, una banda que venía tocando desde el ’79, había sacado un disco llamado Black Metal, su nombre era Venom, la idea básica del mismo era crear un nuevo concepto mediante el cual distanciarse un tanto del Thrash Metal, que con bandas como Metal Church o Nuclear Assault venía gestándose análogamente, la diferencia entre uno y otro era básicamente la temática, éste como su mismo nombre lo indicaba era una mera apología a la maldad, apareciendo luego trabajos como los demos de Sodom: Witching Metal (1,982) y Victims Of Death (1,984), cuyas portadas y contenido eran obviamente apegados ha dicha tendencia al igual que Destruction con su demo Bestial Invasion Of Hell (1,984) o el Ep A Black Metal Night (1,984), lo cierto es que cuando Bathory empezó a sonar, automáticamente la gente de las revistas comenzó a catalogarlo como parte del incipiente movimiento, mismo que con la aparición de dicha banda se queda en eso, pues simplemente lo proveniente de Suecia sonaba definitivamente más innovador, las demás bandas optaron por descafeinar sus letras, eliminando todos los elementos infernales y sumándose a la corriente del Thrash Metal, Venom por su parte, pues simplemente no podía echarse para atrás de algo que ellos mismos habían creado. Bathory marcó demasiadas cosas dentro de la forma de hacer y vivir el metal, una de ellas el ser una banda realmente underground, sin incluir fotos ni nombres de sus integrantes (cosa que hizo hasta en su cuarto disco), no dar entrevistas y no tocar nunca en concierto, lo que la alejaba de la típica banda creada para conquistar chicas y adentrándola en un concepto realizado con el fin de complacerse a si mismos como artistas y a quien esos nefastos himnos iban dedicados originalmente, siendo esta una honestidad que sus fans no podían obviar, esto configuraría en mucho lo que el genero llegó a ser con el tiempo, aún y cuando el mismo muy poco ha avanzado, en cuanto a lo musical y lo lírico, desde esas primeras grabaciones, el cambio tubo que venir de la mano de Bathory mismo, que en el año 1,987 empiezan a girar hacia un nuevo concepto, dejando atrás todo lo relacionado con las brujas y los demonios medievales y adentrándose en la mitología escandinava, generando así un nuevo genero denominado Viking Metal, si algo salvará o condenará a esta banda dentro de la historia del rock, es su perpetua sed de cambio y de experimentación, tanto dentro de lo puramente musical, como en lo referente a las ideas que transmitían sus letras y que hacían que sus discos fuesen totalmente temáticos, y por qué no decirlo, verdaderas obras de arte. Preguntarse qué hizo tan único y tan innovador a Bathory, es algo que sin duda se solventa, si no en su totalidad, al menos en parte indagando en sus influencias musicales una amalgama que iba de músicos clásicos como Richard Wagner (1,813 – 1,883), Gustav Holst (1,874 – 1,934) o Georges Bizet (1,838 – 1,875) hasta bandas de Heavy Metal como Kiss y Mothörhead o de Punk como Sex Pistols, canalizandolas una a una en las diferentes épocas del Bathory clásico, que es al que hago referencia acá, aunados a un deseo por imprimirle la mayor originalidad sin importar que tanto llegaría a gustar, así como ir recogiendo formas y elementos atipicos dentro del genero, como la utilización de un cuerno vikingo original, ejecutado por un empleado del Museo Nacional De Antigüedades de Estocolmo, en la parte final del disco Hammerheart, así como trabajar mediante las mismas estructuras que utilizaban los músicos clásicos a la hora de componer. Por mi parte me inicié con Bathory con el tema Woman Of Dark Desires, del álbum Under The Sign Of The Black Mark, uno que sonaba con necia insistencia en el programa radial Revolución Rock, y que acá se convirtió en un verdadero clásico, dado que en los conciertos, por ese entonces en el salón Guatemala Musical, tocaban el cover los de Blasphemous y los de Amalantra, o sea en un tiempo en que había toques a cada 15 días, si no la tocaban los unos la tocaban los otros, recuerdo que solía frecuentar a un amigo en Panajachel cuya colección de música era, y es, realmente sorprendente, cuando me mostró la colección completa de Lp´s me quedé impresionado, era difícil impresionarse en un sitio donde habían más de 200 Lp´s, pero simplemente esta banda era otra cosa…

diariamente somos seres cotidianos

2008-06-03T13:53:00.000-07:00

Alfred Hitchcock decía que: nadie paga una entrada para ver lo que sucede a la vuelta de la esquina, Raymond Carver a lo largo de su obra hizo justamente lo contrario, una y otra vez nos narró eso que sucede a la vuelta de la esquina y que de tan cotidiano pasamos inadvertido, sorteando la dificultad que hay en narrar eso que nos es habitual, eso que pasa día a día, a personas tan normales como nosotros, en la trastienda de la vida y hacer que suene interesante, en su caso llevarlo al nivel de maestría, generalmente adscrito al cuento corto, nos lleva a presenciar la vida urbana, sin el maquillaje que le ha dado el cine, sino en su parte menos lucida, esa gente que a diario va al supermercado, ve el mundo desde la TV y se resigna a perder el empleo. Los seres que habitan sus cuentos son seres poco complejos y sin ninguna importancia social, obreros en su mayoría, pero que desde su esquina del mundo sufren su parte de la tragedia humana y la enfrentan de la manera más practica, algunos con indiferencia, si Charles Bukowski narró la parte agreste y callejera del Realismo Sucio estadounidense, fue Raymond Carver quien se encargó de contar la parte domestica, con un especial esmero hacia las historias de parejas, de la pareja media, seres unidos por la costumbre o por la simple necesidad de no sentirse solos, seres vacíos e insustanciales que se aferran a la presencia del otro, igualmente vacío e insustancial, pero que unidos se hacen ignorar la soledad del universo el uno al otro.
Hay relatos que sobresalen y nos dan una muestra de ese mundo de mínimos contrastes, como Conversación, Beldevere, Después De Los Tejanos o Nadie Decía Nada, en los que el autor va entretejiendo conversaciones, manías y nada que sea sorprendente, más que la vida misma, en esto creo que le aprendió muy bien la lección a su maestro Antón Chejov, de quien ponía sobre el escritorio un retrato cada vez que se sentaba a escribir y que, como él, llevó con maestría a la literatura a una serie de personajes poco, o nada, literarios. Raymond Carver escribió varios libros, tanto de narrativa como de poesía, que calladamente se han ido dispersando por la vida, entre ellos podemos mencionar Catedral, De Qué Hablamos Cuando Hablamos De Amor, Tres Rosas Amarillas, ¿Quieres Hacer El Favor De Callarte Por Favor? o su greates hits (entiéndase antología) Shorts Cuts, llevada al cine por Robert Altman, durante su vida fue alcohólico, al igual que su padre, con todo el desastre que ello conlleva y que también relata en no pocos de sus cuentos, no es sino hasta cuando conoce a la poetisa Tess Galagher, a quien llamaba su segunda oportunidad, que logra rearmar su vida, pasando los últimos diez años de vida sobrio, pero bueno, ya se sabe cómo suele ser la vida con los que se portan bien, y al final termina muriendo a la edad de 50 años victima de un cáncer pulmonar.

no hay que jugar con la locura, la locura no juega…

2008-05-26T14:30:00.000-07:00

Bukowski llegó a ser un verdadero dolor de cabeza para muchos de mi generación, unos porque estaban obsesionados con él y escribían como él, otros porque aunque no escribían como él eran acusados de hacerlo, de hecho no hace mucho en un conversatorio sobre literatura y rock, saltó por ahí la acusación, pero bueno, cada quien ve el mundo como lo quiere ver, yo por mi parte lo descubrí de manera muy casual, haciendo eso que hoy llaman googlear, aunque yo por ese entonces prefería el buscador de Yahoo, me topé con una pagina con su poesía, la que me pareció impresionante, era una cantidad considerable de poemas que, sin dudar un segundo, imprimí y leí por mucho tiempo, hasta que en Sophos vi que Anagrama estaba publicando su narrativa y Visor Libros su poesía. Sus textos me parecen increíbles y obsesivos, nunca he leído sus novelas, lo aclaro pues luego de recomendarlo por ahí me llegaron un par de reclamos de Cali y Antioquia de que las novelas eran muy malas, no lo sé, no las leo aún, pero su temática aborda al mundo desde la mirada del perdedor, sin esos personajes heroicos y perfectos de la literatura clásica, sino más bien con protagonistas sin brillo que van anónimamente por las calles, seres que han tirado su vida al cesto de la basura por el alcohol, seres sin un futuro ni el minino interés por tenerlo, que ven caer la vida en pedazos encima y ni siquiera pestañean, como en el cuento La Venganza De Los Malditos, en el que todos esos despojos de la sociedad, sin valor y sin fuerza, deciden armar su propia revolución. Charles Bukowski es por otra parte bastante autobiográfico, tanto en sus poemas como en sus cuentos, sus historias son del día a día, sin duda alguna su literatura se puede definir con estas palabras suyas: el genio quizá sea la capacidad de decir una cosa profunda de una forma sencilla… y lo logra, lo logra muy bien, hay dos corrientes en todo esto, una en la que se va definiendo el hombre, como un ser humano extraño que se mueve en un mundo de seres uniformes, que quieren domarlo y uniformarlo a él también, éste con sorna los esquiva, para luego, desde su maquina de escribir, burlarse de sus fracasados intentos, lo que se puede definir en relatos como Hijo De Satanás o La muerte Del Padre I y II, relatos en los que se denota que su vida familiar tampoco fue muy cordial que digamos.

La otra corriente es la que lo define como escritor y su relación con un mundillo literario que le da asco y le da risa, esto en cuentos como Escritores o Esa Pena De Escoria, a la vez que va relatándonos su vida como autor, primero en el fracaso luego en el éxito, Bukowski escribió por mucho tiempo sin ninguna esperanza más que la de no estallar internamente, publicando en pequeñas revistas subterráneas, mientras subsiste mediante otros trabajos como carnicero, empacador o cartero, lo que podemos ver en el relato Nacimiento, Vida Y Muerte De Un Periódico Underground o Cómo Conseguir Que Te Publiquen. A los 49 años, decide dedicarse de lleno a la literatura, bajo la premisa siguiente: tengo dos opciones, permanecer en la oficina de correos y volverme loco… o quedarme fuera y jugar a ser escritor y morirme de hambre. He decidido morir de hambre… casualmente sucedió lo contrario y obtuvo un gran éxito editorial, lo que también va relatando en otros cuentos, Una Jornada De Trabajo, por citar alguno al asar, donde con sátira va marcado los cambios de la gente hacia él, nos muestra el rechazo que al inicio la gente demostraba por un borracho que escribía sin buscar nada importante en la vida, y es cierto, el viejo tenía razón, a todos en este maldito mundo les vales un comino cuando las cosas te van mal. Bukowski era un escritor compulsivo, escribía casi siempre, dejando un sin fin de libros, de los cuales se pueden hallar bastantes en español, por hacer un breve inventario, tenemos de cuento: La Maquina de Follar, Escritos De Un Viejo Indecente o Música De Cañerías; novelas: Cartero, Factotum o La Senda Del Perdedor y de poesía: Soy La Orilla De Un Vaso Que Corta, Soy Sangre, El Mundo Visto Desde Un Tercer Piso o Escrutaba La Locura En Busca De La Palabra, El Verso, La Ruta… para muchos Charles Bukowski es un desadaptado social que escribe, para otros el mejor pensador de alcantarilla, para mi es simplemente un viejo borracho increíble, pues sucede que cualquiera puede emborracharse hasta estallar y sentirse especial por ello, pero sobrevivir y reconstruir ese sórdido mundo con tal maestría, eso definitivamente es otra cosa…

la historia de los versos que se asilan en nuestra memoria

2008-05-23T13:24:00.000-07:00

Cuando la vida se pone de espaldas y deja de ser todo lo cool que debiera ser o más bien no es en absoluto cool, te da por exiliarte de ti mismo y dar cabida a ideas poco convencionales, como aquella de que todo pasado fue mejor, en el fondo eres conciente que eso no pasa de ser un eslogan de la cursilería más barata, pero para ese momento ya hiciste un inventario total de amores y desamores y por qué no, de lo leído y lo no leído también, es así como últimamente me ha dado por recordar esa época en que la poesía de Jim Morrison era fundamental en mi vida, y que junto a alguien, a quien también llegó a gustarle, vagábamos sin rumbo por las calles y playas de Panajachel. Por razones obvias su poesía vino a mí de la mano de The Doors, básicamente en temas como The End o When The Music´s Over, pero más que nada como mito, ver a un rockero que a la vez era poeta, era algo que cambiaba completamente el panorama de ese momento y le daba a uno por terminar escribiendo también, aunque fueran versos menos afortunados claro está, pero James Douglas Morrison (1,943 – 1,971) fue más que nada el último poeta maldito, de la casta de Villon, Boudelaire o Rimbaud, con toda la estridencia que el desarrollarse en los 60’s y ser una estrella del rock podía brindarle, siendo, como era, un genio, incomprendido por todos, incluidos los miembros de su banda, fue ensimismándose dentro de una obra tan basta que terminó por absorberle a él mismo, cosa rara en nuestros días eso de que un escritor viva su obra y es eso precisamente lo que le convirtió en la leyenda que aún hoy es y que sin duda lo será por mucho tiempo más. La obra poética de Jim Morrison se divide en dos, por un lado tenemos una corriente mística que es la que se va destilando a lo largo de sus discos y por el otro una corriente beat que es la que se manifiesta en sus libros, la primera se alimenta de visionarios como William Blake y Aldous Huxley, aunando todo ello a toda la concepción cosmogónica de los indios estadounidenses, la cual es en extremo rica en cuanto a imágenes y percepciones tanto del mundo material como del extrasensorial, pero en el fondo Morrison no deja de tener una fuerte dosis de romanticismo y que es muy clara en muchas de sus canciones, podríamos decir que en cuanto a la forma de escribirlas nunca salió del siglo XIX, haciendo una re-visitación de los viejos mitos tanto en el sentido lírico como en la composición escénica de lo que la banda fue a lo largo de su existencia y de sus producciones. Por el lado literario, Jim Morrison es dueño de una poética compleja, echando en una sola botella de whisky, Jack Daniel´s para no perder la tónica, la poesía Beat, que era todo la reminiscencia de la posguerra estadounidense, el primer mundo vivido por los perdedores de la batalla urbana y hecho poesía, teniendo una crudeza y un pesimismo irredento, el simbolismo francés, que era el máximo resumen de los más opacos entresijos de la tradición literaria, expoliando las secciones más escatológicas de la biblioteca humana, poetas que se fusionaron a su literatura de tal forma que fueron la encarnación misma de cada uno de sus poemas, casi todos murieron a temprana edad, victimas del suicidio o del exceso, por último, y como ingrediente definitivo, de la explosiva formula antes planteada, los filósofos alemanes, justamente los de mayor ruptura, Arthur Schopenhauer y Friedrich Nietzsche, quienes delinearon un antes y un después dentro del pensamiento occidental, creando en el poeta una conjunción inigualable para los de su generación. A mis manos llegó primero que nada Wilderness, The Lost Writings, una reunión de los cuadernos que Morrison un día perdió, en una entrevista aseguró que le hubiera gustado recuperarlos, cosa que nunca hizo, pero que cuando ya eran comerciales casualmente aparecieron, editado en 1,988 para ser exacto, éste estaba a la venta en una de esas librerías de usado en Panajachel, en las cuales sólo venden libros en inglés, un amigo lo había comprado, finalmente terminamos por hacerlo cambio por un CD de Death Metal que a él le interesaba más, con los años Sophos trajo, en sus traducciones al español, los libros The Lords y The New Creatures, ambos de 1,969, que fueron los únicos que él publicara en vida.

A medida que el tiempo pasa nos vamos alejando de muchas cosas que en nuestra vida fueron básicas, buscamos nuevos horizontes que de pronto y se opacan con la caída de la niebla, entonces volvemos a todo eso que pobló nuestro pasado y vemos cómo la soledad de la tarde se aleja por la calle, arrastrada por la impertinente lluvia mientras Blue Sunday aún no deja de sonar…

no todos los días vendrán con el mismo sound track...

2008-04-15T08:41:00.000-07:00

a Daniela Suárez Naranjo

Pocos géneros como el rock para generar bandas de esas que se denominan como de culto, mismas que aún sin predominar en los listados de ventas, están siempre ahí con una sólida base de fans que se renuevan a cada cierto tiempo y no dejan que el legado de dicha agrupación desaparezca, como sí sucede con la música comercial, que aparece por un tiempo en los primeros lugares, suena hasta el hartazgo y dos años más tarde nadie la vuelve a recordar, esto debido a que el rock genera cohesión hacia quienes lo escuchan y no lo hacen solamente porque sea lo que está sonando en la radio de momento, forjando realmente una cultura de grupo, como sucede con la literatura, que va pasando a lo largo de generaciones.
Una de estas sin duda es la banda Cactus, todos, voluntariamente o por casualidad, hemos escuchado alguna vez temas como Young Turks o Da Ya Think I'm Sexy? en la voz de Rod Stewart, sin imaginar siquiera que se trata de quien pudo haberse consagrado como una de las voces principales del más granítico underground de los 60’s, precisamente Cactus, nacidos en el seno de la banda Vanilla Fudge y por iniciativa del bataquero Carmine Appice y el bajista Tim Bogert, quienes ya no se sentían a gusto con dicha agrupación, esto a finales del año 1,969, tomando su nombre de un hotel en Arizona, llamado The Cactus Drive-In, contactando a través de John Bonham al guitarrista Jeff Beck, ex guitarra de The Yardbirds, este a su vez propuso a Stewart para las vocales, quien en realidad nunca lo tomó en serio, y aprovechó un accidente, en el que Jeff casi se mata, para desentenderse del asunto.

A fin de cuentas la alineación con la que realmente iniciaron consistió en Rusty Day en las vocales, Jim McCarty en la guitarra, Tim Bogert en el bajo y Carmine Appice en la batería, los dos últimos aún no habían terminado su trabajo con Vanilla Fudge, por lo que análogamente a la gira de dicha banda, fueron fogueando a Cactus con pequeñas presentaciones en bares de las ciudades a las que el tour les llevaba, hicieron su primera aparición seria por todo lo grande, en un estadio de Philadelphia frente a 20,000 personas y como teloneros de los ya para ese entonces legendarios Jimi Hendrix, Grateful Dead y The Steve Miller Band, un inicio demasiado comercial para una banda que nunca lo sería.

Para mayo de 1,970 graban su primer disco, titulándolo homónimamente y con una portada que en la actualidad simplemente hubiera merecido una calcomanía aclarando que era material censurado, pero que para esa época simplemente fue suprimida, por una de un cactus que si bien mantenía su forma fálica, era menos obvio, para inicios del año siguiente publican un nuevo trabajo de larga duración, esta vez bajo el nombre de One Way… Or Another, que, como el anterior, no llega a generar grandes volúmenes de ventas, pero que empieza a crear un grupo de seguidores incondicionales, de igual forma se labran una buena fama como banda en vivo.
Punto aparte merece Rusty Day, un anarquista convencido, que, como lo harían muchos después, no menoscababa el discurso político en cada uno de sus shows, o quizá anti-político debiera ser el termino adecuado, haciendo un claro énfasis en la necesidad de escindir de los valores de la sociedad, oponerse a la opresión utilizada como mecanismo para imponer los mismos y rebelarse contra las autoridades encargadas de hacer efectivos los mismos, este comportamiento de insumisión y a la vez de incitación a no dejarse envolver por lo que la sociedad esquematizada dice que se debe hacer, arrastró en repetidas ocasiones a la cárcel al siempre controversial Day.
A fines de ese mismo ’71 aparecería su tercer álbum de estudio, titulado Restrictions, en el que vuelven a trabajar con sus primeros sonidos y que para muchos representa el último trabajo que realmente puede ser definido como legendario, pero Cactus tiene un problema capital, y es que son músicos, he intentan mostrar todo su virtuosismo, si no en complicadas estructuras musicales al menos en sonoridades que distan mucho del estándar, lo que automáticamente los aleja de las masas y los convierte en una banda exclusiva para criterios sumamente eclécticos, con lo que este disco vende aún menos que los dos anteriores. El slogan Sexo, Drogas y Rock n’ Roll, nunca ha dejado de tener su parte de pose, ya que aunque todos lo predican pocos lo practican, y los primeros terminan siempre por ser mal vistos por los mismos rockeros, tiene esto mucho que ver con la genialidad de la persona, no quiero decir que ser alcohólico sea ser un genio, sino a la inversa, el problema de la genialidad, y se ve muy bien con Rimbaud o Morrison, es que simplemente el esquema mental del genio no coincide con el de las personas que le rodean, lo que le arrastra a vivir en un mundo que ni comprende ni lo comprende, tendiendo esto a la frustración perpetua y teniendo por único refugio el estado de embriaguez que por un tiempo le hace sentirse parte de un todo más acorde a su forma de experimentar y comprender la existencia, aún y cuando el costo termine por ser aún más caro, este signo fue uno que definió en mucho a Rusty Day, quien principió por ser incomodo para la Atco, su sello disquero, y terminó por serlo para sus compañeros de banda, quienes lo expulsaron de la misma, y terminó asesinado, en medio de un problema de drogas, el 3 de junio de 1,982.

Por aparte, y en consonancia con los lineamientos de la disquera, también salió por la puerta trasera Jim McCarty, llegando en su sustitución, Peter French, ex vocal de Atomic Rooster, en la guitarra llega Werner Fritzschings y agregan al tecladista Duane Hitchings, con lo que se vuelven una banda perfecta, en cuanto al sentido técnico, pero que simplemente a perdido el feefling de la alineación original, sacando a luz su cuarto álbum, titulado ‘Ot’N’ Sweaty’, que, contrario a lo planificado, pasó sin pena ni gloria no sólo para el mercado sino también para los que se habían convertido en sus fans, convenciéndose entonces que Cactus debía tomar su sitio dentro de las leyendas del rock bajo el lema: vive de prisa y muere joven… Los 90’s fue esa década en que el rock renació, o al menos fue más conciente de que había existido un pasado, iniciando una visita retrospectiva hacia lo que eran sus raíces, ahí está la película de Oliver Stone sobre The Doors como muestra más clara, y bueno pues una leyenda como los viejos Cactus no podía quedar al margen, es así que en 1,996 aparece Cactology: The Cactus Collection, una compilación que retomaba para las nuevas generaciones toda la trayectoria de esta banda, en 2,004 aparecen dos discos dobles, el primero de ellos es el Barely Contained: The Studio Sessions, conteniendo los cuatro discos de estudio de la banda y el Fully Unleashed: The Live Gigs, que contiene 18 temas en vivo, 12 de los cuales nunca habían sido publicados, en una edición limitada de 5,000 copias numeradas, en dicho trabajo se recopila en realidad lo que es Cactus, una banda en directo, que incluso fue catalogada por muchos como la mejor banda en concierto de su época. Aún y cuando Cactus nunca encabezó ni por asomo un Top Ten, continua hoy en día agregando entre sus adeptos a gente interesada en ir más allá de lo que nos ofrece Mtv o Telehit y que más que una música de fondo busca un concepto musical dentro del cual compenetrarse, ese es el valor de las bandas que prefieren ser fieles a sus convicciones y no a las leyes del mercado, eso las hace sólidas y trascendentes, lo que resulta paradójico, pues el mercado consume muchísimo pero desconoce la memoria, mientras quienes consumen al margen de los lineamientos del mercado, siempre estarán ahí, esos son y serán los fans del viejo Cactus.

Este post será la base para el especial sobre Cactus que en el programa Invasión Rock, http://www.rkradio.net/ , en su edición numero 30, del 6 de mayo estará transmitiendo Chejo Rodríguez, a quien le ando saqueando la increíble colección de rock viejo que posee, cada vez que mis discos no están a la altura de la erudición melómana de Daniela…

intentar ocultarse en una ciudad de cristal

2008-04-11T12:50:00.000-07:00

Al leer las novelas de Paul Auster se te renueva la idea de que la gran literatura no ha muerto y que toda esa trivialidad que a diario se publica no es, aún y cuando lo parezca, el futuro de eso a lo que han dado en llamar el mundo de las letras, sucede que muchas veces nos perdemos entre tanto nuevo libro y tanto nuevo autor que no pasan de ser un bonito afiche o una entrevista pre – pago, pero a medida que vamos tomando oficio como lectores nos vamos haciendo, a fuerza de equivocaciones, más quisquillosos y eclécticos en cuanto a nuestros gustos, la lucha es perenne y la línea divisoria muy frágil, entre ser un consumista literario y un mero consumista compulsivo de todo lo que se les ocurre llamar literatura. Cuando por mucho tiempo tu vida ha tenido por destino un punto y de pronto ese punto se borra, te llega uno de esos momentos en que quisieras desaparecer por unos días, dejar que caigan los pedazos de lo vivido y para cuando vuelvas ya todas las piezas se hallan readecuado automáticamente, ser capaz de continuar la vida en una ciudad que aunque será la misma ya no la podrás vivir igual, lo mejor es hacerlo perdiéndote en las rendijas de un libro, pero sucede que los pedazos de lo que fue tu vida son muchos y siguen cayendo y aunque prendas el paraguas no puedes ignorar el ruido que hacen, se convierten en una inmisericorde lluvia de fragmentos, de correos recibidos, de llamadas hechas, de mediocres poemas no concluidos y de viajes largamente planificados pero nunca realizados, eso te duele, eso te queda ahí dentro y el libro en que decidiste refugiarte termina por no servirte más que de almohada, es lo que me ha pasado con Ciudad De Cristal de Paul Auster y que luego de cuatro inmisericordes semanas, de contemplar los pedazos caer, por fin en estos días logró tomar fuerzas para releer. Auster es sin duda uno de esos especimenes raros, que como Poe o Bradbury, crecen desacordes en medio de la cultura menos culta de todas, nacido en Newark, New Jersey, EEUU, el 3 de febrero de 1,947, escritor desde los 12 años, viaja en búsqueda de oxigeno a París, donde de paso se evita el cansancio que sin duda le hubiera representado el ir a la guerra de Vietnam, es entonces que inicia su peripecia en torno al cine, escribiendo guiones para películas mudas que nunca verán la luz y que tan sólo se concretarán cuando se publique El Libro De Las Ilusiones, aparecido en el año 2,002, fue en 1,976 que realizó su primer, aunque poco afortunado, intento serio dentro de las letras con la novela Jugada De Presión, a lo cual seguirían una larga lista de novelas como: La Invención De La Soledad, La Habitación Cerrada, En El País De Las Últimas Cosas, Viajes Por El Scriptorium o la más reciente Hombre En La Oscuridad, que apareció este año, de igual forma su trabajo en el cine a sido constante con películas como La Vida Interior De Martin Frost o El Centro Del Mundo, donde a alternado como director y guionista o en el traslado a la pantalla de su novela La Música Del Azar, en la que en 1,993 participó como actor. Desde que leí Ciudad De Cristal pasó ha ser uno de mis autores básicos, de esos escritores raros que has buscado toda tu vida y que has llegado a la conclusión de que no existen, cuando de pronto resulta que ahí estaban desde mucho tiempo antes de que empezaras a buscar, su narrativa conlleva una exploración dentro de los recursos de lo imposible, con una experimentación exacerbada de las situaciones, pero que a la vez te deja la sensación de no abandonar lo cotidiano, un simple esqueleto de paraguas que a perdido toda lo que alguna vez le hizo merecer tal nombre, en palabras de Auster pasa a ser un artilugio de propiedades insospechadas, en él el lenguaje llega a convertirse en un aparato viviente, que lo mismo salta de las grandes bibliotecas que de las sucias cloacas, hasta mezclarse en una sola cosa hecha de símbolos y de sonidos que llegarán a convertirse en un personaje más de la novela, como él mismo lo es, saliéndose, metiéndose y haciendo que lo entrevisten los personajes emanados de la ficción, un juego en el que todo es posible, sin llegar a ser un absurdo incomprensible, sino tan sólo una trama armada a base de esquemas superpuestos, que juegan y saltan uno dentro, o a través, del otro, incluso de una novela a otra.

fe de errata

2008-03-13T12:00:00.000-07:00

A inicios de los 90’s el Black Metal se re-inventó como genero, tanto en Grecia como en Noruega, desarrollando un estilo muy particular en cada país, desde siempre se dio por sentado que la corriente noruega venía de Bathory, pero escarbando en el libro Lords Of Chaos de los periodistas Michael Moynihan y Didrik Søderlind, dicha hipótesis queda desechada y es que según parece la principal influencia para el Black Metal noruego paradójicamente viene de Latinoamérica. Al menos eso es lo que desprende de las palabras de Jon Kristiansen, más conocido en el underground como Metalion, editor de la ya legendaria revista Slayer, y quien refiriéndose al líder de la banda Mayhem, la fundadora de dicha escena, menciona lo siguiente: creo que, en realidad, venía de una banda brasileña llamada Sarcófago. Una banda muy extrema. Editaron un álbum y Euronymous estaba totalmente obsesionado con ellos porque llevaban un montón de pinchos y maquillaje facial. Dijo que quería que todas las bandas fueran como ellos…
Sarcófago es sin lugar a dudas la banda más importante en Latinoamérica, respecto a dicho genero, siendo considerada una leyenda del metal de los 80’s, inician con la publicación de su primer demo en febrero del ´86 titulado Satanic Lust, en junio de ese mismo año aparece otro demo titulado The Black Vomit, para agosto participan con dos temas en una compilación llamada Warfare Noise I, el ´87 lo inician con otro demo, esta vez bajo el titulo de Sepultado y para marzo otro con el nombre de Christ´s Death, no es sino hasta agosto de ese año que sacan su primer álbum, que lleva por nombre I.N.R.I., que es al que se refiere Metalion, luego de un prudente silencio sacan en agosto del ’89 el Rotting, esto es lo único que me gusta de dicha banda brasileña. El Black Metal por su parte pasada la primera mitad de los 90’s perdió mucho de su esencia underground, para convertirse en uno de los géneros predilectos, tanto de las agencias de publicidad como de las mega disqueras, hoy se le puede hallar en cualquier tienda de discos y hacen unas giras impresionantes, a las bandas que supuestamente dicen representarlo se les ve con suma frecuencia en el Mtv y en los Gramy, versión europea obviamente…

ese extraño gusto por lo políticamente incorrecto

2008-02-26T09:17:00.000-08:00

Eso que comúnmente suelen denominar como el mal, es un concepto que ha venido intrínseco a la idiosincrasia humana desde sus mismos orígenes, es rastreable desde culturas tan antiguas como la egipcia o la caldea, tanto en su vertiente literaria, filosófica como religiosa, y no porque sea el mal en sí, sino porque a lo largo de estos últimos 2,000 años se le ha etiquetado como tal, lo que no implica que debido a tal etiqueta halla desaparecido, todos esos cultos antiguos han pasado a ser simplemente la fuente prohibida de donde artistas y literatos beben el embriagante brebaje que les insita a nuevas y terroríficas obras, lo podemos hallar más que nada en el romanticismo, una vez sacada de temporada toda la maquinaria creada por la inquisición para perseguirlo, lo que simplemente le agregó durante el medioevo ese alo de misterio prohibitivo que aún le caracteriza. Autores como El Marqués de Sade, Bram Stoker, Algernon Blackwood, Arthur Machen, Edgar Allan Poe, Charles Baudelaire, Arthur Rimbaud, El Conde De Lautréamont, H.P. Lovecraft y muchos más abordaron desde su visión personal la estética del mal. Dentro de la música rock no ha sido la excepción, a partir de los años 60’s ya bandas tan underground como Coven o Black Widow o más conocidas como Black Sabbath o AC/DC han convertido en punto focal de su propuesta musical dicha estética, tal y como en occidente se le tipifica, pero es quizá en Coven donde más hondas raíces echó el concepto, siendo ésta una agrupación que ya en el año 69 sacaba un disco de puro Rock n´ Roll con el sugerente titulo de Witchcraft, Destroys Minds & Reaps Souls y en el cual incluían nada manos que una misa negra, dicha banda no pasó a más ni lo convirtió en la mina de oro en que lo convertirían otras, pero quedó sí como un precedente, ya que cuando uno ve todo el arte del disco no hace sino descubrir que mucho de lo que hicieron las bandas de los 90’s ya alguien lo había hecho 30 años atrás.
No es sino hasta el 29 de abril del año 1,980 con la grabación, en los Impulse Estudios, del demo Demon que una banda se atreve a llevar a sus últimas consecuencias dicho concepto, pero más que eso a romper con los niveles de estridencia impuestos por el Heavy Metal y el Punk, siendo estos los ingleses de Venom, banda nacida de la fusión de dos previas llamadas Oberon y Guillotine, integrada por Jesuchrist en las vocales, Cronos en el bajo, Mantas en la guitarra y Abbadon en la batería, lo de los pseudónimos tomados de la mitología era algo que Coven también había hecho y que se convertiría en distintivo del genero, meses después el vocalista decide retirarse, tomando su lugar el bajista Cronos, grabando así el single In League With Satan. Ya con esta alineación se presentan por primera vez en vivo, concierto que tubo lugar en el Quay Club de Newcastle, su ciudad natal, donde no les fue nada bien, dado que la mayor parte del equipo no soportó el nivel de decibeles de muy buena forma, culminando con una intervención de los bomberos, con lo que el nombre Venom automáticamente quedó eliminado de la lista de bandas que podían tocar en los clubes de la ciudad, lo cual no impidió que para enero del año siguiente grabarán su primer álbum, al cual titularon Welcome To Hell, mismo que empezaría a sonar con más aceptación de lo imaginado a nivel mundial.
En 1,982 presentan un nuevo demo, compuesto por tres temas y titulado To Hell And Back, que sería la antesala para su segundo disco, el devastador y rotundo Black Metal, conteniendo once temas, es esta una pieza histórica dentro de la historia del Rock en general y dentro del Metal en especifico, debido a que como hemos visto las anteriores bandas se adscribían dentro de géneros preexistentes y su innovación consistía únicamente en el mensaje, Venom va más allá, creando según su propio molde y formula un nuevo genero, cuyo titulo es claro e impúdico, un genero que nace para encomiar la maldad, no falta decir que fue un éxito rotundo, saliendo incluso del circuito underground y llegando a todas las tiendas de discos, teniendo como teloneros en su gira por EEUU a bandas que hoy son de dominio publico como Metallica, para agosto de ese mismo año aparece el single Bloodlust y un Ep en vivo.
Para el año ’83 graban un nuevo demo, que hoy es de colección dado que no salió al publico y son escasas las copias existentes, al que se le llamó At War With Satan y que no fue más que el anticipo de su tercer disco del mismo nombre y que aparecería algunos meses más tarde, éste según mi opinión el último larga duración que valió la pena de la banda, para agosto sacan el single Die Hard. El año ’84 lo inician con la aparición de su video en vivo The 7th. Date Of Hell, así como los singles Manitou y Warhead, en el ´85 lanzan su primer greates hits al que titulan From Hell To The Unknown… con un total de 22 temas, así como una serie de Ep´s que recopilaban sus conciertos en Japón, Francia y EEUU, quedándose al final únicamente Cronos como miembro original, quien ha mantenido el nombre de la banda en el mercado, pero sin lograr alcanzar los niveles de esos tres primeros trabajos, hoy legendarios.
Como es ya sabido cuando una banda logra destacar aparece una serie de bandas que le siguen la huella y bajo la inspiración de lo hecho por Venom no tardaron en aparecer bandas como Possessed, Destruction, Sodom, Slayer, Poison o Pentagram, que si bien sonaban un tanto similar a las bandas de Trash Metal se diferenciaban por algo muy básico, la temática orientada hacia el mal, la abierta apología por todo lo que estuviera prohibido y un sonido que pretendía sonar a soundtrack de película de horror, mientras que por su lado las bandas de Thrash Metal venían más que nada del Punk, manteniendo un sonido sucio y una estética callejera, así como una temática abiertamente social y anarquista. Pero, y cosas de la vida, tal como pasó con José Ortega Y Gasset que dispuso dividir a los escritores por generaciones y con Douglas Coupland que decidió que las generaciones de adolescentes se reconocieran por letras, y a nosotros nos endilgó la X, alguien en alguna revista underground dispuso utilizar el nombre Black Metal para definir a una banda originaria de Suecia llamada Bathory, termino que se generalizó, quedando en la actualidad la idea de que el genero se trata de todo lo que suene a dicha banda y no a las anteriores, esto a pesar de que el mismo Quorthon Seth, vocalista de la agrupación sueca, dijera en repetidas ocasiones que nunca en su vida había escuchado a Venom y menos había cruzado por su mente algo como Black Metal para definir su música…

el derecho a escindir

2008-02-12T11:38:00.000-08:00

Pocas veces elAcordeón (suplemento cultural de elPeriódico) nos trae tan buenas noticias como en su edición del domingo recién pasado y es que Anagrama edita dos nuevos libros de Michel Onfray al español, el mundo desde hace aproximadamente 2,400 años tiene un canon por el cual regirse, y este es el listado de ideas y actitudes escritas y empleadas por Platón, que si bien en la época griega revistió cierta importancia, con la llegada del cristianismo se afincó de una vez y para siempre, pues qué es en el fondo el cristianismo sino el simple reciclaje del pensamiento platónico, de igual forma la larga lista de filósofos que han sido descritos, no sin cierta verdad, como una nota al pie de pagina de éste, de San Agustín a Marx, aderezándolo con sus propios matices claro está. No es sino con Nietszche que por fin nos sentimos un poco más liberados respecto a nuestra inconformidad hacia la forma en que se nos había impuesto el mundo y es que querámoslo o no de manera implícita viene en nosotros el pensamiento platónico, aún y cuando nunca halla tomado un libro de filosofía el chiclero de la esquina es un platónico empírico, el brocha de la camioneta también lo es y si les rebatimos esas ideas, que ellos toman como verdades, corremos el riesgo incluso de salir linchados, tenemos por ejemplo el caso cotidiano de la gente que se dice de izquierdas y que con suma frecuencia despotrican contra la iglesia, pero que cuando se les habla de pensamientos de fondo, salen a defender los valores que ésta defiende con más fervor que los que asisten todos los domingos, o sea las diferencias son de forma pero no de fondo. Todo esto no implica que no hallan habido pensadores que escindieran de dicha forma de concebir el mundo, incluso desde la época misma de Platón ya existían filósofos como Diógenes “El Cínico” o Pirrón que lo hicieron, luego vendrían Friedrich Nietzsche o Mikhail Bakunin y otros con los que en un arranque de rebeldía crecimos identificados, pero gente como Onfray lo hacen a uno no sentirse tan sólo y es que por primera vez intenta articular, con la aparición de los primeros dos tomos de su Contrahistotia de la Filosofía, un canon alternativo, basado en los pensadores que generaron sus postulados al margen del pensamiento hegemónico. Autor por otra parte de libros como Tratado De Ateología, Antimanual De Filosofía o Cinismos, Tratado De Los Filósofos Llamados Perros, trabajos en los cuales va desglosando esa no tan nueva, pero si ninguneada, forma de ver el mundo, uno en el que entendamos, entre otras cosas, al cuerpo no como una atadura y causal de todos los males que a fin de cuentas nos condenarán, sino como el medio para experimentar acá y ahora todas las dichas y los placeres de que nos provee la vida, tomar la plenitud y no el ascetismo, la sensualidad y no la abstinencia como razones de existir, creo que acercarnos a su obra es un buen punto de partida para empezar a experimentar en nuestras vidas una filosofía del hedonismo, sé que no nos será fácil, pero podemos intentarlo…

I was made for hearing you

2008-02-01T11:45:00.001-08:00

a Daniela Suárez Naranjo

La primera vez que mi novia me dijo que Kiss era su banda favorita, muchas cosas dieron vuelta en mi cabeza, habían pasado muchos años desde la última vez que alguien me había dicho que tal banda fuera su favorita, de hecho lo consideraba asunto clausurado, es claro que para mi, como para el 99.9% de la generación X, fue la banda insignia desde los 6 o 7 años, existía un programa en canal 5, sí, en el canal del ejercito, llamado, si mal no recuerdo, Constelación Rock y en el cual pasaban una serie de videos, de los cuales los de Kiss eran los preferidos, pero en el fondo qué hace que una banda, la más comercial de todas, que exprimió al máximo eso que suelen llamar consumismo, con botes de basura, tangas, pijamas, comics y un sin fin de productos con su marca registrada, se convirtieran en el icono de toda una generación, desde Kurt Covain hasta Quorthon Set.
Nacidos en el año 1,973 bajo el nombre de Rainbow, que no tardarían en pasar a Wicked Lester y posteriormente a Kiss, pasaron desde un inicio a ser el centro de atención de los medios de comunicación y por ende de los adolescentes que, como es costumbre, consumen lo que los medios dictan, más que nada por una esmerada imagen, que según la opinión de los miembros de la banda viene mucho del teatro Kabuki japonés y del comic americano, pero que la critica inmediatamente asoció con bandas como Blue Öyster Cult, New York Dolls o el mismo Alice Cooper, lo que dejó atrás la imagen callejera del rock y entró directamente al campo de la teatralidad, mismo que luego seguirían otras bandas, más que nada del Glam Metal, esto generó un top of mind sin precedentes, pues los fans más que identificarse con una simple banda de rock tenían ante si a unos personajes con forma e historia propia, el demonio, la estrella, el gato y el hombre del hielo. Quienes en verdad interpretaron dichos personajes fueron Chaim Witz Eugene Kleim más conocido como Gene Simons en el bajo y las vocales, Stanley Harvey Eisen más conocido como Paul Stanley en la guitarra rítmica y las vocales, Paul Daniel Frehley en la guitarra líder y vocales y Peter Criss en la batería y vocales, un grupo de adolescentes provenientes de la ciudad de New York y que se unieron con la idea de dejar atrás las influencias literarias y Folk de las bandas de los 60´s, no olvidemos la frase de Gene Simons: Shakespeare es basura… más que nada su idea era sonar estridentes y descomplicados, sin esas plataformas grandilocuentes que invitaban a cambiar al mundo, sino simplemente como un producto de entretenimiento urbano, un preámbulo a lo que fue el Heavy Metal, claro me refiero al verdadero Heavy Metal no a reciclaje de hoy en día, con dicha premisa lograron ventas por más de cien millones de discos vendidos sólo en EEUU y más de doscientos millones alrededor del mundo.
Luego de haber firmado contrato con Casablanca Records su primer trabajo fue el disco homónimo publicado en 1,974 con temas potentísimos como Firehouse, Cold Gin o 100,000 years, en ese mismo año graban el Hotter Than Hell, al año siguiente publican el álbum Dressed To Kill de donde sobresale el tema Rock and Roll All Nite, en ese mismo ’75 sale el Alive I que sería el trabajo que realmente los lanzó a la fama, en el ´76 producen los álbumes Destroyer, con una portada dibujada por Ken Kelly que a pasado a ser legendaria, y el Rock n` Roll Over, para el ’77 Love Gun, una nueva trabajo plástico de Ken Kelly, y Alive II, para 1,979, y luego de unos discos en solitario, reaparecen con el disco Dynasty, al año siguiente ve la luz el Unmasked, para el ’81 Music From The Elder, para el ’82 Creatures Of The Night. Para el año 1,983 dan un giro total a su carrera, pues deciden dejar atrás toda la imagen teatral, tocando el 25 de junio en el estadio Morumbi de Sao Paulo, Brasil por primera vez sin maquillaje y editan su disco Lick It Up, para el año ’84 sacan el trabajo titulado Animalize, para el ’85 editan el Asylum, para el ’87 aparece el trabajo Crazy Nights, para el año ’88 aparece un disco que sonó con fuerza y renovó los viejos temas el recopilatorio titulado Smashes, Trashes & Hits, para el ’89 editan el Hot In The Shade, para el ’92 Revenge, para el ’93 vuelven a su trabajo en vivo publicando Alive III, para el ’96 el infaltable MTV Unplugged, para el ’97 Carnival Of Souls, para el ’98 editan Psycho Circus, para el año 2,003, tentación de tentaciones, dejan por un lado ese sentido de no ser en nada parsimoniosos respecto al entramado musical y graban el disco Symphony: Alive IV acompañados por la orquesta sinfónica de Melbourne, entre rarezas podemos citar un Ep´ editado en Mexico en el ’78 y titulado en español como Presumido, el Killers editado en Japón en el año 1,982, el Chikara editado en el año’88 siempre en Japón, el We´re A Happy Family del 2,003 que es un tributo a la banda Punk The Ramones, su cercanía con el Punk no es nueva, recordemos que Gene Simons fue novio y productor de algunos trabajos de la inolvidable Wendy Orleans Williams y The Plasmatics. Y al final la pregunta continúa siendo la del inicio, qué hizo que una banda así hiciera que un hiper comercial Kurt Covain cayera preso a los 13 años por robar una t-shirt de ellos y que un súper underground Quorthon Set se decidiera a tomar una guitarra y formar su propia banda obsesionado con el tema Cold Gin, pues eso, precisamente el ser una banda con una imagen induplicable, verlos en el escenario en medio de una lluvia de sangre y fuego en una época en la que no estábamos a la espera de bandas no comerciales, sino simplemente queríamos vivir el momento, simplemente queríamos ser libres y salvajes, coincidentemente Kiss quería lo mismo y lo consiguió, nosotros aún luchamos por no morir en el intento…

por otra parte, frecuento poco a los seres humanos

2008-01-25T10:25:00.000-08:00

En esta vida son pocos los libros que merecen ser leídos, muy pocos los que merecen ser releídos y menos aún los que merecen ser recomendados, esto es más claro si lo vemos a la luz de la cantidad de títulos que año con año se van publicando, en países como este, en los que casi nadie lee, cuando alguien lo hace, automáticamente es tomado como una fuente fiable de datos y la primera pregunta que le lanzan es qué libros recomienda leer, lo ideal sería hacer un listado de los libros más aconsejables, pero cómo coincidir con los gustos de los demás, máxime ahora que todos confunden literatura con libros de autoayuda o esas historias fast food tan populares, por mi parte la respuesta es siempre la misma, léase La Nausea, La Peste o El Anticristo…
Pero en realidad hay libros que merecen ser recomendados, aún y cuando los criterios sean variados, por ejemplo por estos días me ha dado por releer Extensión Del Campo De Batalla de Michel Houellebecq, si mis cálculos no van mal es la tercera vez que lo hago, compré este libro en una época en la que las cosas iban bien, pero en la que realmente no tenía muchos lugares a los cuales ir ni alguien en quien pensar y digámoslo así muy pocas razones que justificaran el estar aquí, salía los sábados de la oficina y me encaminaba a la librería, me compraba un libro con el que me pasaba encerrado en casa todo el fin de semana.
Había leído algunas entrevistas y artículos sobre Houellebecq y me sonaba interesante todo aquello de su defensa de la prostitución tercermundista y su lucha frontal y descarada contra el Islam, lo que le había merecido un juicio, pero no tenía en claro su obra, sólo sabía que me parecía interesante, de hecho cuando pregunté al respecto lo hice por un tal Michael, a lo que el encargado me corrigió que era Michel, es francés me recalcó, pero sí, si lo tenían, mentiría si no dijera que mucho tiene que ver el que me sentí desde un inicio plenamente identificado con esa forma acida de escribir del autor.
Extensión Del Campo De Batalla es, sin lugar a dudas, uno de esos libros que definen la época en la que fueron concebidos, en términos generales es la historia de un ingeniero en sistemas que representa al ser humano de nuestra época, un ser automático que se esfuerza día con día por ser funcional el mayor tiempo posible, antes de llegar a convertirse en un ser obsoleto que con una nota de fuera de temporada y una caña de pescar en la mano es lanzado por la sociedad hacia la bodega de lo ya descartado, como en la novela sucede con Louis Lindon.
Pero análogo a este sistema que la sociedad moderna ha ido creando, se ha ido generando otro, del cual son participes aún quienes se consideran fuera de la ley de mercado y es el hecho de hacerse a si mismo mercadeable, lo que incide en un mayor numero de conquistas respecto al sexo opuesto que, como el dinero, se convierte en un garante de estatus, y quienes por no responder al canon físico impuesto no logran tal objetivo automáticamente son desechados como no aptos, es el caso del personaje principal y de su coparticipe Raphaël Tisserand, el primero por su parte se siente arto de la sociedad en que vive, lo que le ha convertido en un ser apático y asexuado, que sólo ve a la masa humana responder a los modelos preestablecidos sin prestarle ninguna importancia, ve con compasión al segundo que lucha contra ello infructuosamente, cayendo una y otra vez, siempre a la caza de chicas que le evitan a toda costa y le hacen sufrir horriblemente, por último es inducido por su buen amigo al suicidio, pero éste, una vez desaparecido el otro, despierta a su realidad y es que en el otro odiaba tan sólo esa frustración que aunque silenciosa, le carcome por dentro también a él, y que al confrontarla en toda su crueldad le hace caer en un abismo existencial que le arrastra a una institución mental.
El autor, poeta, ensayista y novelista, nacido en 1,954, se lanzó al mundo literario a los veinte años, publicando en la revista Nouvelle Reveue sus primeros poemas, luego publica su primer libro, un extenso ensayo titulado H.P. Lovecraft Contra El Mundo, Contra La Vida, respecto al genio del horror, a quien considera uno de los pocos autores de valor del siglo XX, en ese mismo año ’91 aparece el libro Seguir Vivo y el poemario La Búsqueda De La Felicidad, que merece el premio Tristán Tzara.
No es sino hasta el año’94 que se adentra en la novela, publicando presisamente Extensión Del Campo De Batalla, lo que lo lanza a un inesperado éxito de ventas y que en 1,999 llegaría al cine bajo la dirección de Philippe Harel, para el año ´96 sale un nuevo poemario con el titulo de El Sentido Del Combate, en 1,998 lanza una segunda novela que lo consolida como autor de culto, Las Partículas Elementales, de la que sin duda les hablaré en otra oportunidad, así como su libro de ensayos El Mundo Como Un Supermercado, al año siguiente un nuevo poemario titulado Renacimiento, en el 2,000 Lanzarote, un texto acompañado de fotos de la isla con dicho nombre, donde actualmente vive José Saramago, para el 2,001 retorna con una de sus novelas fuertes, Plataforma, la que levantó una nueva oleada de protestas, debido a sus opiniones respecto al Islam, al final terminó ganado debido a que en un país laico como Francia el emitir opiniones respecto a una religión, aún y cuando estas sean ofensivas, esta conceptualizado dentro de la libertad de expresión, y finalmente en el 2,005 publica una nueva novela La Posibilidad De Una Isla.
En suma su obra es una mirada cínica y a la vez profunda de la sociedad actual, de todo ese funcionamiento mecánico en el que, querámoslo o no, nos vemos imbuidos día con día, es bueno a veces vernos desde un punto de vista tan directo y descarnado, lo que no siempre es cómodo, pero al final la vida es algo que hay que tomar con calma y como nos lo recomienda Houellebeqc: no hay que temerle a la felicidad, pues no existe…

o tienes miedo o escribes, y si tienes miedo, mejor que no escribas

2008-01-22T09:17:00.000-08:00

Si damos una hojeada más bien superficial a las historias que habitan la literatura actual es común que nos topemos con unas que de tan planas y cotidianas terminan por parecernos aburridas, pero si somos más acuciosos nos topamos con gente como Vladimir Sorokin, que proponen una literatura más intensa, fue en una entrevista que los periodistas Pilar Bonet y Rodrigo Fernández le hicieran para El País en 2,002 que inicié en el asunto de su obra, pues a simple vista se notaba que era uno de esos autores, más bien raros en nuestros días, que se esfuerzan aún por hacer buena literatura más que por quedar bien con la clientela literaria, lo que es casi pandemia.
Nacido en 1,955, inició como poeta perteneciendo al circuito underground de Moscú, un grupo de gente que a cambio de no engavetar sus obras se limitaba a pasarlas a maquina y que silenciosamente fueran circulando de mano en mano, análogamente se dedicaba a la ilustración de libros, es un periodo que no recuerda de buena manera, no fue sino hasta el año ’85 que autorizó la publicación de su novela La Cola en París, dado que hacerlo localmente bajo el régimen comunista hubiera sido un suicidio, luego vendrían obras como La Norma, Una Novela, Los Corazones De Los Cuatro, El Hielo o El Camino de Bro, para un total de doce novelas a la fecha, que por cuestiones de distancia y traducción no siempre han llegado hasta nosotros, aparte de sus incursiones en el teatro y en el cine.
Sorokin es en cada obra un nuevo escritor, alcanzando en algunas el limite de la escatología, sin desdeñar recursos como la necrofilia o la coprofagía, lo que no pocas veces le ha ganado, como en esa entrevista de El País, el apelativo de Marqués de Sade Ruso, aparte de uno que otro problema legal, pero en esencia es uno de esos autores que no andan a la búsqueda de una receta para repetir hasta el infinito, sino alguien que va experimentando en cada libro nuevos conceptos y formulas, creando una obra realmente innovadora, algo que se agradece, aunque no todos lo agradecen por igual.
La polémica llegó con uno de esos giros, la novela El Cerdo Azul (o El Tocino Celeste según sea la traducción que se tenga), que es una obra escrita a tres tiempos: el año 1,954, la época actual y el año 2,068, retrata la muerte de la literatura rusa y en la cual clonan, tema recurrente del autor como veremos, a Fiódor Dostoievski, Antón Chejov, Vladimir Nabokob y a Anna Ajmátova, creando una compleja trama que mezcla personajes de ficción con personajes de la historia rusa, entre los cuales aparecen los no tan literarios Nikita Kruschev y Joseph Stalin, quienes comparten una apasionante escena sexual, lo que le mereció el ataque de una organización juvenil de esas que a los partidos políticos les fascinan por ser carne de cañón y por panfleteros, llamada Vamos Juntos, quienes montaron un gigantesco retrete de cartón para que los transeúntes pasaran tirando los libros de Sorokin, destruyéndolos luego y rociándolos con lejía, en seguida le montaron un juicio por pornografía, teniendo como resultado un tiraje más amplio de su obra, debido a la difusión que ésta obtuvo con los titulares de prensa.
Por esos días se le abrían las puertas del teatro Bolshoi, lo que en Rusia es todo un triunfo para cualquier dramaturgo, y donde montó la obra Los Hijos de Rosenthal, ambientada en los 80’s, con un proyecto científico financiado por el Kremlin, que consiste, una vez más, en la clonación de Wagner, Mozart, Verdi, Mussorgski y Tchaikovski, justo cuando el proyecto había alcanzado la cúspide y estaban los músicos de vuelta a la actualidad, llega la Perestroika de Mikhail Gorbachev y les elimina los fondos, con lo que los músicos son lanzados a la calle, donde sobreviven penosamente como músicos callejeros, en plazas, prostíbulos y estaciones del tren, no hace falta mencionar que frente al teatro también se hicieron presente los jóvenes esbirros del partido con sus pancartas a protestar en contra del inmoral Vladimir Sorokin.
Buenas noticias para nosotros las hay, con la llegada del nuevo año llegó también la publicación de su obra El Día Del Oprichnick, en español por parte de la editorial Alfaguara, ésta oscila entre la novela histórica y la de ciencia ficción, en el siglo XVI, en tiempos de Iván Vasílievich IV, El Terrible, (1,530 – 1,584), se forma un ente llamado la Oprichnina, que brinda poderes absolutos al zar, con lo que se desata una ola de violencia sin precedentes, pero cuya organización no desapareció con el acceso de los comunistas al poder, sino simplemente se agazapó por mucho tiempo, regresando paulatinamente hasta que en el año 2,027 tienen tomado el poder nuevamente en una Rusia aislada del exterior mediante gigantescas murallas, Andrey Komyaga, Oprichnick de la Nueva Rusia, nos va narrando pacientemente los entresijos del poder y sus partes más oscuras, tal y como el autor afirmó un día – el totalitarismo es una planta exótica y venenosa – pero en el fondo esta obra no deja de ser el más atrevido desenmascare de la Rusia actual (y quien sabe si no de algún país latinoamericano) de su política tras bambalinas, en la que grupos como Vamos Juntos se reúnen a atacar a autores que no marchan de acorde al régimen y en donde personas que como Mikhail Jodorkovski son condenados a largos encarcelamientos por ser peligrosos para el poder, suele suceder que acá las cosas llegan demasiado tarde, pero nunca es tarde para un buen autor…

we come from the land of the ice and snow

2008-01-14T11:53:00.000-08:00

En estos grisáceos días en los que si un rockero se asoma por un bar promedio y pide Punk le ponen Kudai y si pide Glam le ponen nada menos que a Moderato y en que el rock está a la deriva sin ninguna innovación que merezca mencionarse desde los 90’s, no ha quedado más opción para los monstruos sagrados que retomar las armas y volver a la batalla, triste para el futuro del rock pero feliz noticia para los fans de las viejas bandas, el retorno de los dioses Led Zeppelin fue sin duda el acontecimiento que rompió con el mutismo de la escena mundial de hoy en día.
Conformados en el año ’68 de las cenizas de The Yarbirds y de The New Yarbirds, con Robert Plant en las vocales, Jimmy Page en las guitarras, Jhon Paul Jones en el bajo y los teclados y John “Bonzo” Bonham en la batería, lograron romper con el esquema tradicional de las bandas de aquella época, mediante una formula en la que mezclaron la música árabe, la indú, la celta, el blues, el soul, y el folk con la pesadez del rock, así como la adaptación del contrapunto propio del estilo barroco, uno se pregunta cómo pudieron adquirir un estilo tan propio con tal mezcolanza y la única respuesta es maestría, consagrándose como la base de lo que el Hard Rock y el Heavy Metal llegarían a ser. El nombre de la banda, según la versión oficial, nació como una broma de Keith Moon, bataquero de The Who, quien les dijo que nada más formarse caerían como un zeppelín de plomo, al contrario tuvieron desde un inicio una aceptación sin precedentes, más en EEUU que en el Reino Unido cabe resaltar, con giras espectaculares, que incluirían tierras tan lejanas como Singapur, a no ser porque las autoridades no les permitieron el ingreso al país por tener el cabello demasiado largo, el final de la banda llegaría el 25 de septiembre de 1,980, cuando Bonham, considerado a la fecha el mejor bateriísta de la historia del rock, muere de intoxicación alcohólica en una antigua mansión que Jimmy Page poseía en Mill Lane, a orillas del mítico lago Ness.
Pero hablar de sus producciones y su música a estas alturas es sencillamente redundar en lo que ya todo el mundo ha dicho, quizá sea más propio explorar respecto al amplio bagaje literario de la banda, ese concubinato, a veces anómalo otras disfuncional, entre rock y literatura, que si bien por razones obvias fue más notorio en The Doors, no deja de existir en las demás bandas, hay en los Zeppelín una corriente literaria muy clara, y que en el metal no tomaría ímpetu sino hasta en los 90’s, nuevamente creada a partir de una mezcla, los mundos paralelos de J.R.R. Tolkien, las clarividencias del poeta y ocultista Aleister Crowley, la mística y la mitología contenidas en Las Eddas vikingas y la fuerza narrativa y aventurera de Herman Melville, hacen posible ese mundo extraño en el que transcurren todos sus temas.
Cuando en 1,937 John Ronald Reuel Tolkien (1,892 – 1,973) tomó, a falta de un procesador de palabras, una pluma e inició la escritura de El Señor De Los Anillos, poco pudo haber imaginado la cantidad de cosas que nacerían a partir de su genial obra, una de ellas fue sin duda la forma del imaginario que habita los temas de Led Zeppelin, que aún y cuando es más notorio en temas como: Stairway To Heaven, Misty Mountain Hop, Ramble On o en The Beattle Of Evermore, es innegable que abarca la totalidad de su obra, resulta que cuando de influencias hablamos no nos podemos limitar a las alusiones, que es lo que generalmente se hace, sino por el contrario incluye a todo lo que se hace bajo el efecto de esa atmósfera inspiradora y que al momento de hacerse, no precisamente guarda de manera visible dicha conexión, y creo, que todo ese universo onírico, tanto en las líricas como sobre el escenario, no viene de otro lado como no sea de esa visión tan fascinante de esa realidad análoga que Tolkien plasmó en su obra y que para Plant, como para muchos otros, fue el tipo de mundo en el que alguna vez soñó vivir, sin tanto concreto alrededor. El poeta, novelista, ensayista y mago negro Edward Alexander Crowley (1,875 – 1,947) es sin lugar a dudas una de las influencias clave para la cultura pop del siglo XX, ya los Beatles lo habían incluido en la portada del inolvidable Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band, de igual forma su imagen y sus ideas se fueron diseminando en los movimientos más dispares, quienes veían en él una conciencia nueva que de forma tajante rompía con los esquemas impuestos por la sociedad.
El autor de Aceldama, Manchas Blancas y El Alma De Osiris, fue en Led Zeppelin y en especial en Jimmy Page una influencia fundamental, que es más que notoria en temas como Dazed And Confused, Whole Lotta Love, The Beattle Of Evermore, Four Sticks, No Quarter, Kashmir y Stairway To Heaven, para quienes a lo largo de estos años han querido escarbar en supuestos mensajes cifrados y ocultos en los temas de la banda para alimentar a la prensa amarillista, no han hecho más que perder su tiempo, pues la magia intrínseca a sus letras no viene en ningún momento oculta, en sus letras se respira esa forma de hacer una poesía mística que Crowley logró, algo que resuena de manera muy clara en su Himno A Pan, que aparece como introducción a la obra Magick En Teoría Y Practica, creo que ese poema claramente recoge todo el espíritu mágico que Stairway To Heaven pueda llegar a contener.
Es innegable este legado, aún y cuando Jimmy Page lo evadiera en la más reciente rueda de prensa, ya que de todos es sabido que poseía una de las colecciones más completas de la obra de Crowley, son más de 80 libros, aduciendo de manera más bien escurridiza que él lo único que colecciona son instrumentos musicales, tal y como nos lo comenta el periodista Diego A. Manrique, en un articulo reproducido por elAcordeón (suplemento cultural de elPeriódico), creo que el viejo Crowley ha de haber sonreído, con su habitual sarcasmo, desde el infierno, pues para nadie es un secreto que era tal su afición por el hechicero que no titubeó al comprarse la Boleskine House, una vieja mansión que había pertenecido a Crowley, quien por esas casualidades de la vida escribió un complejo ritual de magia negra llamado Eddo Zeppelion, y donde precisamente terminó por morir Bonham, creo que la edad hace más políticamente correctas de lo que quisiéramos a algunas personas, pero bueno, de igual forma se negó a comentar respecto a su colaboración en el tema The Black Is Black de Los Bravos y no por ello el tema perderá toda esa fuerza que le caracteriza. Para 1,970 la banda viaja a Islandia, es este un país más bien desconocido o poco mencionado, pero que ejerce un raro influjo sobre toda la cultura y el pensamiento nórdico, pues fue justamente en él donde tomó forma la mitología escandinava, desde tiempos inmemoriales ésta había estado dispersan, tanto en Noruega como en Suecia, siendo transmitida de manera oral, con lo que iba tomando variantes y se iba haciendo dispersa, hasta que en 1,220 el islandés Snorri Sturluson (1,179 – 1,241) decide, como una forma de afirmar sus raíces, reunir toda la mitología en un libro al que denominó Eddas (las historias de las abuelas) y de donde vino hasta nuestra época toda una forma de ver el mundo muy distinta a la concepción judeocristiana, y que resalta de manera muy clara en el tema Immigrant Song.
Hablar de Moby Dyck, en este caso es más bien a manera de referente, ya que si bien el tema de los Led Zeppelin lleva por titulo el de la novela de Herman Melville (1,819 – 1,891), al no poseer el mismo una letra es imposible hablar de una conexión literal, en el carácter de las anteriores en las cuales se muestra esa combinación magia – literatura, pero hay si el espíritu del sound track, ese transmitir a través de sonidos la intensidad de la trama que encierra dicha obra, en la que instintivamente vamos perfilando las obsesiones del capitán Ahab fusionadas a la interpretación que de las mismas Bonham pudo haber hecho y redefinido mediante el manejo de un lenguaje musical, logrando la readecuación de una obra literaria hacia una obra hecha a base de secuencias de sonido y que al igual que su antecedente literario sólo puede recibir el titulo de obra maestra. Ya en 1,985 se habían reunido, teniendo al señor Phil Collins en la batería, esa vez para el concierto benéfico Live Aid, en el estadio John F. Kennedy de Filadelfia EEUU, ejecutando únicamente los temas Rock'n'roll, Whole Lotta Love y Stairway To Heaven, luego de un par de intentos, esta vez por fin fue real, con Jason Bonham en la batería, realizándose el recién pasado 10 de diciembre en el O2 arena de Londres, con una asistencia de 20,000 personas, siendo según la critica un concierto impresionante que en nada demeritó los viejos tiempos, de momento, para los que no pudimos estar ahí, que por cierto fuimos mayoría, sólo nos queda esperar la llegada a las tiendas de The Song Remains The Same, la clásica cinta y Lp, ahora en DVD y CD respectivamente, que recoge tres noches de concierto en el Madison Square Garden de New York en 1,973 y que fue re lanzada el 19 de noviembre pasado, incluyendo los temas que se habían omitido en la versión original…

la onda retro, desde una perspectiva más salvaje

2007-12-28T12:33:00.000-08:00

Aún y cuando el Punk hoy día esté rodeado de toda esa futilidad de la cual las bandas de Happy Punk lo han revestido, fue desde siempre la más clara muestra de la irreverencia, el más denso reducto de la conciencia contracultural dentro de la música y que mejor que volver a las raíces de quienes en los 60’s crearon las bases para el mismo, es en definitiva MC5 una de esas bandas que por más que los años y las décadas pasen siguen sonando con una bestialidad que no concede beneplácitos, prueba de que la misma aún hoy, cuando los limites de estridencia parecieran haber sido rotos, continua intacta es el hecho de que los death metaleros suecos de Entombed hayan incluido un cover del tema Kick Out The Jams en su Ep Wreckage del año’97 (en su edición japonesa). Desde hacía un par de años que rondaban por mi mente, pero sin llegar a ser nada serio, hasta que por iniciativa de mi novia quien suele ser bastante acuciosa en el asunto ese de andar escuchando viejas bandas, me dio por unirme a eso de la onda retro, y gracias a mi buen amigo Chejo obtuve, en formato mp3, el álbum Kick Out The Jams, editado en 1,969, una producción en vivo, que para ser de esa época suena realmente salvaje, este fue su único trabajo realizado para el sello Elektra, quienes debido a su propuesta pasada de desibeles, tanto en lo musical como en lo emocional, terminó por prescindirles el contrato, pero que quedó como una obra básica en la historia del rock, sin cuya existencia difícilmente géneros sucios y callejeros como el Punk o el Thrash Metal hubieran llegado a ser lo que fueron, de hecho según entiendo el tema Detroit Rock City que los Kiss grabaron en el ´76 es un homenaje a esta banda, (hay también una película realizada en el ‘99 por el director Adam Rifkin con dicho nombre y que es un homenaje a Kiss y por extensión al sonido Detroit), el disco contiene ocho temas, grabados a fines de octubre de 1,968 en el Grande Ballroom, con un sonido increíble y unos temas que uno se arrepiente de no haber escuchado antes. Los MC5 se formaron en Detroit a mediados de los 60’s, siendo un grupo de adolescentes influenciados por bandas como The Who, Cream, The Troggs o los Rolling Stones, conformada por Rob Tyner en las vocales, Wayne Kramer y Fred “Sonic” Smith en las guitarras, Michael Davis en el bajo y Dennis Thompson en la batería, con un sonido caracterizado por el uso de feedback y distorsión, sacan su primer single en 1,966, un cover de la banda Them titulado I Can Only Give You Everything, para 1,968 sacan un segundo single, esta vez un trabajo original titulado Looking At You, para el ´69 sacan su primer Lp, siendo este el ya citado Kick Out The Jams, en 1,970 consiguen un contrato con la Atlantic records, habiendo incorporado a la alineación al tecladista Pete Kelly graban su primer disco en estudio, titulado Back In The U.S.A, un tema original de Chuck Berry, para el año 1,971 producen su tercer y último álbum High Time con temas como Poison o Sister Anne, confluyendo en este punto su poco éxito comercial con su exacerbado consumo de drogas teniendo como resultado el que la banda pasara a mejor vida. Una vez culminado este episodio de sus vidas, y por si aún dudaban de su importancia dentro del movimiento Punk, el vocalista Rob Tyner crea a la banda Fireworks y posteriormente a la Rob Tyner Band, por su lado Wayne Kramer tocaría con el siempre mítico y proscrito G.G. Allin, uno de los símbolos del Punk granítico, conformando posteriormente las bandas Death Tongue en 1,991, The Hard Stuff en 1,995 y finalmente Dangerous Madness en 1,996, Fred “Sonic” Smith por su lado formó junto a Davis y Thompson la banda Ascension, luego formaría la Sonic´s Rendezbous Band, casándose finalmente en el año ’80 nada menos que con la sacerdotisa del Punk y consumada poeta Patty Smith, Rob Tyner muere el 18 de septiembre de 1,991 a causa de un infarto, Fred “Sonic” Smith el 4 de noviembre de 1,994 casualmente de la misma manera, según un articulo, que hace algunos meses la sección cultural de elPeriódico publicó, los miembros sobrevivientes están de vuelta, sin duda sintiendo asco por lo que ahora se hace llamar Punk, y listos para que MC5 continúe en la jugada.

adiós a Cortázar, por fin…

2007-12-18T12:58:00.000-08:00

Hasta hace algunos días me sentía el personaje de ese inolvidable cuento de Augusto Monterroso titulado Como Me Deshice De Quinientos Libros, quien presa de una cantidad de libros incómodos busca la forma de eliminarlos de su biblioteca, era como todos, victima de esa manía de ir acumulando textos que al final nunca leeremos, pero que hacen ver los anaqueles menos vacíos, de igual forma me sucedió a mi con Julio Cortázar (1,914 – 1,984), sin saber por qué, me fui haciendo de todas y cada una de sus obras, hasta convencerme de que simplemente no las leería nunca y a sabiendas de que a un amigo mío, que es tan fan de Cortázar como del Thrash Metal, podían ayudarle a pasar algunas buenas horas de lectura, el sábado procedí, con más éxito que el personaje de Monterroso, a deshacerme de los mismos. Cortázar llegó a mi vida casi análogo a Borges, pero a diferencia del segundo, era tanto lo que de él me habían hablado, que al leerlo simplemente me decepcionó, lo intenté todo, leer sus cuentos, leer sus novelas, leer sus poemas, pero nada, nunca tuve la paciencia suficiente de terminar alguno de sus libros, y eso que cuando leo uno no le suelto hasta no haberle terminado, pero en este caso no, siempre me quedaba el profundo sentimiento de que era victima de una tortura literaria, sobre todo me pasó con El Libro De Manuel, mismo que juré que terminaría, pero una vez pasado de la mitad llegué a la conclusión de que la vida es demasiado corta como para perderla leyendo cosas que no nos producen placer. Debo aceptar, sí, que sus estructuras me parecen increíbles, una genialidad incomparable a la hora de definir formas de textos, verdaderos collages algunos, además mentiría si no dijera que uno de sus relatos es de los que más me han impresionado y gustado, La Autopista Del Sur, que da inicio a su libro Todos Los Fuegos El Fuego publicado en 1,966, pero, en el resto de su obra, a la hora de compenetrarme en el texto en sí, hay algo que no encaja, algo que no me dice nada y no me deja avanzar, algo que simplemente no me despierta ningún interés. Y sí, me quedé con los comentarios a favor y la imagen de aquellos chicos, como él, burgueses con complejo de proletario, con sandalias, t-shirt del Che Guevara, pantalón típico traído de Panajachel y que tarde a tarde se reunían en el Cien Puertas a hablar horas y horas de lo interesante y complejo que era Rayuela, lo celebro por ellos, pero yo simplemente no hallé el camino y me quedé a las puertas de una obra que sobresalió, y mucho, como tantas otras de la literatura latinoamericana de esa época, por obra y magia de Carmen Balcells, y que hoy día en pleno boom del marketing vemos sin mayor cargo de conciencia simplemente como parte del marketing del boom, y que, como en nuestros días sucede con las estrellas del foot ball y del pop, fue llenando el imaginario popular y las vitrinas de las librerías con unos autores que no vivían de la forma en que se suponía que vivían y que contaban de una América Latina que no es ni por asomo la que nosotros vivimos.

vicisitudes de un autor y de un personaje

2007-12-18T12:43:00.000-08:00

No hay que desdeñar en nada los oficios de los libreros, más aún si se trata de los libreros de viejo, en estos tiempos del E-book y del Kindle, siguen ahí a la caza de viejos tratados literarios, cada vez que puedo me doy una vuelta por esos polvorientos anaqueles, perdidos en las contaminadas calles del centro histórico de la ciudad, con suma frecuencia a la Popol Vuh, fue así como me topé con una interesante colección de las obras de Emilio Salgari (1,862 – 1,911), autor que suele ser de mi interés desde hace ya tiempo, narrador incansable de un mundo de salvajes aventuras, maneja una prosa que sin llegar a compleja es, sí, muy imaginativa, siempre a la deriva en opacos túneles habitados por sucios búhos, corsarios y guerreros, luchando fieramente por salir a la agreste selva habitada por sanguinarias fieras.

De entre sus personajes Sandokán es mi favorito, un fiero príncipe, que a mediados del siglo XIX es destronado por las tropas inglesas en el Borneo, como todo hombre digno decide lanzarse a la venganza, dedicándose a la piratería bajo el sobrenombre de Tigre de Malasia, quien comanda a Los Tigres de Mompracem, un grupo de aguerridos aventureros conformado por Malayos y Dayacos, cuya vida se va describiendo a lo largo de once novelas, de Los Piratas De Malasia a La Caída De Un Imperio, no hallamos en Sandokán a ese héroe complejo y existencialista que se supone caracteriza a los personajes de las llamadas grandes novelas, sino simplemente a un hombre mitad bárbaro mitad noble, que determina, ante un mundo adverso, que no es sino mediante la oposición rotunda, y en casos sanguinaria, como logrará voltear al mundo que lo rodea a su favor, esto tras la perdida de cuanto posee y de la mujer a la que un día amó, va mostrando que no es sino mediante la voluntad que logrará oponerse a la furia de los elementos y al odio de los enemigos, creo que, como He-Man, fue para nosotros un modelo de súper héroe menos tecnológico, que habitó nuestra imaginación con aventuras que de antemano sabíamos nosotros nunca llegaríamos a experimentar, pero que nos mantenían el espíritu latente.

Salgari por su parte, fue un hombre complejo, a la vez que capaz de describir las más crueles batallas, incapaz de levantar un dedo contra las vicisitudes de la vida, o más bien de los hombres de su tiempo, tal es el caso de su relación con el editor Donath, entre otros, quien por una cantidad miserable le exigía la producción de tres novelas anuales y cuando éste intentó escapar de tal situación, lo enjuició por incumplimiento de contrato, robándole una suma bastante fuerte de su ya de por si bastante menguado capital; fue sin duda parte de esa casta de escritores que como Baudelaire o Pavese han sido definidos como malditos, si bien en muchos de ellos ese malditismo ha ido aunado a su obra, o a sido el combustible para la misma, hay en Salgari cierto impulso por huir de tan fatal destino, creando una obra que exhala vitalidad, a través de aventureros que no se detienen ante nada, una forma de negar esa existencia que a lo más interno le iba consumiendo, bastante propenso a las delicias de Baco, tal y como lo fuera su esposa Aída Peruzzi, supo crear una existencia análoga, una imagen fantástica de si mismo, la que funda desde su encuentro con el capitán Valak, un borracho empedernido, en cuya nave, según él, había vivido las más peligrosas peripecias marinas, en una de las cuales incluso llegó a salvar la pierna de éste, cuando un tiburón atacó sin misericordia al barco y su tripulación, perteneciente como era a esa vieja estirpe de los suicidas terminó, un 25 de abril, por finalizar con su vida, en un inhóspito y desolado barranco, sus últimas palabras, escritas el día anterior, habían sido: mañana ya no existiré…

retorno a la barbarie

2007-12-13T10:30:00.000-08:00

Paseando hace un par de domingos por una de las librerías mejor surtidas de la ciudad, Sophos para ser exactos, me topé con una nueva edición de las aventuras de Conan El Bárbaro, son tres tomos en una edición muy buena, realmente yo a la fecha creía inencontrables los libros de Robert E. Howard, pero al parecer la industria editorial a volcado una vez más la mirada sobre su trabajo, ya sin el bagaje mediático que su adaptación al cine generó, y una buena oportunidad para que recordemos tanto al personaje como al autor.
Robert E. Howard llegó a mis manos acompañado de ese increíble fundador de mitos H.P. Lovecraft, junto a Clark Ashton Smith y Henry Kuttner me parecieron lo más sobresaliente de Los Mitos de Cthulhu, luego mientras veía libros en Panajachel vi por primera vez un libro suyo, nacido un 22 de enero de 1,906 en Peaster, Texas, identificándose en mucho con la narrativa de horror, misma que se afanaba por publicar en revistas como Amazing Stories o Weird Tales, verdaderas clásicas del genero que en la actualidad han alcanzado el titulo de míticas, ese primer cuento que despertó mi interés fue La piedra negra, una interesante mezcla entre literatura fantástica y horror, luego fui hallando textos como Los gusanos de la tierra o Las palomas del infierno, quedando instalado dentro de mi listado de autores de interés, como muchos otros de horror. Pero E. Howard resultó ser más que eso, y es que, al igual que su amigo Lovecraft, solía tener esa manía por andar creando mundos análogos en los que todo emitía una atmósfera nada similar a la complicada y gris realidad del siglo XX, es así como nace Conan el bárbaro (o el Cimmerio) una extraña mezcla entre guerrero, mercenario, héroe y pirata, que en plena Edad de Hyboria, ubicada más o menos en la época en que se hundía la Atlantida y los arios emigraban de la India a Europa, va de su natal Cimmeria recorriendo los más inhóspitos parajes y los más extraños imperios gobernados por demonios y hechiceros de las más raras raleas, siempre en busca de nuevos combates y a la caza de los más inesperados tesoros, va sobreviviendo a cada uno de los embates que esa época primitiva le va propiciando, hasta culminar rey de Aquilonia, uno de los primeros imperios que se forjan por esa remota época, siendo así uno de esos héroes que tanto abundaron en los libros de aventuras, no al estilo de los de Verne, sino uno más salvaje, más dado a las aventuras titánicas, de esas eras perdidas en la noche de los tiempos. E. Howard por su parte nunca alcanzó la fama que su personaje tubo a lo largo del tiempo, y de lo que estas ediciones son prueba, quedándose siempre en el agreste sur de EEUU, dedicado a sus textos de ficción, de horror he históricos, como muchos otros autores que nunca hallaron en su trabajo otro beneficio que el escribirlo, mientras que otros escribientes, de inferior calida la mayor de las veces, simplemente se dedicaron con el tiempo a hacer productos de supermercado con los cuales explotar el mito, que en este caso no fueron pocos lo que dedicaron sus horas a acrecentar la hoja de vida de Conan, tanto con novelas como con comics, algunos menos afortunados que otros, pero todos con un objetivo bien claro McDonalisar el mito creado por un solitario Robert E. Howard, sirvan estas re-ediciones de su trabajo para apartar todas esas paginas sueltas y reencontrar a ese taciturno autor que un 11 de junio de 1,936, aproximadamente a las 8:05 de la mañana, y luego de la muerte de su madre, sentado en la parte delantera de su auto disparó sobre su cabeza con una Colt calibre 38, abandonando el mundo de las letras hasta las 16:00 horas de ese mismo día, un final un tanto sombrío para uno de los autores más expoliados y menos reconocidos del siglo XX.

una tarde + lejos de tus ojos

2006-08-17T15:28:00.000-07:00

a Daniela Suárez Naranjo

cómo los fragmentos de la tarde
van cayendo
sobre nuestros hombros
agotados de esperar,
cómo el último espacio de luz
va desvaneciéndose
tras el quebrado florero,
que refleja tan sólo
lo que hemos dicho ser,
ocultando
entre secas hojas y falsa escarcha
lo que aún
no nos hemos podido decir

como esta, las demás tardes
irán muriendo,
dejando entre nuestras manos
tan sólo el quedo rasguño
de lo que no tocaron
con su paso,
sobre la mesa iremos
recolectando el elixir
de todas esas tardes
perdidas, marchitas,
que no fueron nuestras,
porque estuvimos lejos
el uno del otro

en algún instante
del porvenir
iremos clavando en cada espina,
que posee esa muerta corona
que es el pasado,
cada brebaje de tarde
que vivimos separados,
construyendo con ellos
el sortilegio que propiciará
esa tarde en que nos encontraremos

hoy estamos tan lejos,
creo que eso no importa,
pues bajo tu almohada y la mía
hemos guardado
con sibilina paciencia
tantos fragmentos
de atardecer,
dormiremos separados
con la certeza de nuestros conjuros,
con la certeza de nuestro encuentro
que está inscrita con sangre hirviente
en las líneas de nuestras manos
mucho antes de nacer

XVII.VIII.MMVI

crear lo imposible a través de una metáfora posible

2006-07-26T14:22:00.000-07:00

La poesía ha sido a través de las civilizaciones, un lugar común para quienes se sustentan de esas pequeñas cosas emanadas de los entresijos más recónditos de lo que comúnmente se ha dado en llamar misterio, de esas pequeñas artimañas a veces bonitas, la mayor de las veces feas, por mal diseñadas, por abstractas y por efímeras dentro del diario devenir, esas cosas informes, incoloras e impalpables, a las que hemos dado por llamar ideas, y que se apilan una junto a otra en las múltiples y enmarañadas buhardillas de nuestra memoria. La labor a que se afierra con incansable paciencia el poeta, o quien pretenda serlo, es al hecho de transmutar esas cosas ínfimas, casi evanescentes, en palabras físicas, hacer de la idea un lenguaje, ir revocando ese lenguaje una y otra vez, hasta después de muchísimo tiempo poder depurarlo y sacar de ese océano de ideas propias y lecturas ajenas una forma inequívoca de expresión, que la vea como suya, que sea el sello en su frente que lo distinga de los miles y miles de condenados a vagar sin rumbo por los eternos valles de la vocación poética, remitiéndonos al perfecto mago de las letras francesas, Charles Baudelaire, “la poesía es la metamorfosis mística de todos mis sentidos fundidos en uno solo”, resumiría así, tan entrañable, como inconcreto, acto.
Es el poeta un ser indefinido dentro de la sociedad, un ser que a la vez que trabaja con la más fina orfebrería del lenguaje, raramente lo transmutará en oro, tal y como en Uno de tantos, Carlos Gózales Afre lo deja entrever, al inicio de este libro, pero lejos de su ser social, el poeta va desenmarañando los más complejos atavíos de la conciencia humana, sin más remuneración que el hecho de irse liberando a si mismo de sus propios dogmas, de las utopías impuestas desde el minuto mismo de su nacimiento, deslizándose de libro en libro, de hoja en hoja, hasta hacerse a si mismo la efigie misma del deseo congénito, aunque domesticado, de la humanidad por un día llegar a ser libre, de esos atavíos que ella misma ha ido forjando a lo largo y ancho del tiempo, de eso dogmas que los poetas en la noche de los tiempos crearon, y que los comerciantes a la luz de la historia convirtieron precisamente en dogmas, en cadenas y en pesos que invisiblemente acarreamos de calle en calle y de callejón en callejón, hasta la última morada.
Es cada hecho poético una celebración de la libertad, y el estar acá en la entrega de un libro que reúne a los poetas que por más de un siglo lucharon por poseer la suya propia, desde el enclaustramiento de la palabra, es una razón para ver la esencia fundamental de la palabra, como ente civilizador, más que como mera distracción, como las transnacionales de las letras la han transformado hoy en día, como la posibilidad de forjar un mundo más dinámico y menos asimétrico en cuanto a la valorización intelectual, en detrimento de las soluciones momentáneas o, como en el día a día nuestro, esas soluciones violentas, que silenciosamente van carcomiendo los cimientos de esta sociedad en que, irónicamente, intentamos desarrollarnos, hay en este libro una reunión de las voces más plurales que la pon de la cueva de Judas, que el incienso del tabernáculo de Maximón y las anónimas brisas del milenario Xocomil han albergado a lo largo del siglo XX, y es labor nuestra dar el espacio que merece cada cual, a la vez que es labor nuestra iniciar desde nuestra trinchera esa lucha individual por la libertad del ser humano, que sólo se inaugura a partir del aprecio por el pensamiento, por la palabra y por el humanismo. El arte del pensamiento ahuyenta las tinieblas de la ignorancia que sofoca el aire, ese es la dadiva más significativa que a cada uno de los poetas acá incluidos podemos a partir de esta noche dar.

Guatemala, 25 de julio de 2006
Presentación del libro Nubes de Desolvido (Antología de poetas sololatecos)

el hombre tras la posibilidad de narrarse a sí mismo

2006-06-13T11:03:00.000-07:00

Tal y como lo señala Hans Magnus Enzensberger, no fue necesario de que existiese un lenguaje escrito como tal, para que el ser humano sintiese la necesidad primero y el placer después por contar pequeñas historias a sus contemporáneos; siendo así que el cuento nace en sus raíces más hondas más como un heredero de la tradición oral, existente desde los inicios de la humanidad misma, que como un elemento dentro de la tradición literaria, paso que ineludiblemente dio con el correr de los siglos y la inexorable difusión del lenguaje escrito, y que le daba el agregado de ser un legado en su forma concreta inicial hacia un futuro, acoplándose de muy buena gana a las normas del alfabeto y luego de la gramática, es así como la génesis del cuento se halla perdida en la misma noche de los siglos, intrínseca a las primeras luces de la raza humana como tal.
El proceso en sí del cuento se definía en una vertiente que era legar a las postreras generaciones la información, en forma interesante, de lo acaecido durante la existencia de la que narraba, conforme se fue madurando dicho proceso, y fueron desarrollando nuevos elementos dentro del mismo, apareció una nueva vertiente como lo fue la el uso de la imaginación, llegando a cobrar forma la Fabula, que en Esopo alcanzó el non plus ultra de la antigüedad, pero es inequívoco, pese a la honda tradición que china e india tienen respecto a la tradición del cuento, que el libro de cuentos por antonomasia que representará por siempre a la edad antigua es Las mil y una noches, mismo que nos confirma la intuición de su origen oral, al ser su hilo conductor el hecho de que la princesa Shereszade cuente las más diversas historias cada noche, así vendría el cuento legando para el futuro pequeños instantes de cada sociedad en la que se desarrollaba, hasta llegar a exponentes tan formados en el siglo XIX, como Edgar Allan Poe, Guy de Maupassent, Antón Chejov o los hermanos Grimm, por mencionar sólo algunos cuya obra es ya parte de la literatura universal.
La narrativa corta es el espacio donde el autor más claro vinculo tiene con el lector, pues es una transmisión puramente cerebral, más complaciente que la poesía, pues únicamente se remite a la transmisión de un concepto que entre más claro, mejor acabado estará, sin requerir mayor preparación por parte del lector o escucha, según sea el caso, y sin necesitar de la dedicación de tanto tiempo como en la novela, ni de tanta reflexión como la filosofía, lo que no implica que el cuento no induzca a una reflexión, pero a una de índole más cotidiana y por ende más accesible, con lo que pasa a ser la expresión literaria más universal de todas, más aun con la inmediatez que le ha concedido la expansión del cuento corto, y extremadamente corto, durante el siglo XX, siglo en el que se abrió la puerta a la experimentación sobre el mismo, con autores como Marcel Schwob o George Bataille que supieron con maestría arrastrarlo por los vericuetos del surrealismo, que en un inicio era meramente poético, así transcurre su estadía, multiplicación y diversificación a lo largo y ancho de dicho siglo, quedando como su más accesible legado, en autores como Truman Capote, Raymond Carver o Irvine Welsh.
Latinoamérica abona en este sentido a dos escritores que pueden ser tomados ya como parte de la tradición universal, Jorge Luis Borges por un lado, quien en vida pasó a ser un verdadero clásico, con un estilo a la vez que mágico, profundo, en el cual supo delinear todo el concepto que en cuanto a cuento es valido, a la vez que revivir en cierta forma, y dentro de pleno siglo XX, el sortilegio que a Las mil y una noches le era inherente, transplantando a Latinoamérica, un continente ciertamente joven dentro de la tradición literaria, todo un legado milenario que sólo él supo absorber en sus agotados ojos. Por aparte, y para satisfacción nuestra, podemos citar a ese gran heredero y actualizador de la fábula, Augusto Monterroso, hay en Monterroso esa falsa simpleza que hace aun al lector menos instruido acercarse a sus textos con la más sólida confianza, pero que una vez dentro del ruedo, va desenmarañando el sub-sentido que le es intrínseco a cada uno, por simple que a primera vista pueda parecer, haciendo de Monterroso el fabulista de la modernidad a la vez que un re-actualizador de la más pura tradición del refinado sarcasmo tan dado a los franceses de la segunda parte del siglo XVIII, pero con un grado más de sutileza, pues todos y ninguno cabemos a su vez dentro de cada personaje de sus fábulas, con lo que todos ríen y nadie se halla aludido, tal y como en una carta afirmara Jonathan Swift: la ventaja de hacer impersonal la narrativa es que nadie se da por aludido y todos ríen, pues aseguran para sus adentros que a quien se refiere el sarcasmo es precisamente al vecino, y si éste no es de su devoción, cuanto mejor.
Dado lo anterior, podemos tener la más clara certeza de que el cuento es elemento fundamental de lo que la humanidad ha legado, lo cual a su vez nos compromete a darle continuidad al mismo, buscar dentro de si cada vez nuevas posibilidades, a fin de testimoniar de la mejor manera lo que nuestro tiempo representa, no de lo que nos es convicción, pues no podemos obviar que el cuento en ningún momento es propositibo sino únicamente narrativo, y que en el camino hacia un futuro atestado de tecnología podamos garantizarle al cuento un sitio dentro de ella, un cuento moderno, articulado y dueño de sí, que no sea huraño de las nuevas formulas, sino como en la antigüedad, su forma más clara y accesible.

Zacapa 06 de Mayo de 2006

ermitaño

2005-11-24T12:01:00.000-08:00

a medida que la noche iba sumergiendo cada calle de la ciudad de Nara, en la cada vez más oscura casa de la, ya para ese entonces, consagrada escritora Sei Shonagon, se reunía en un oculto rincón una logia de ratas, que en las largas horas de la noche se dedicaban a tomar el té las más jóvenes y a fumar opio las más viejas, hasta la llegada de su hora pasada la media noche, mientras, discutían desde las literaturas más exóticas hasta de las filosofías más venales, pero con suma frecuencia dedicaban algún tiempo para los chismes, tanto del mundillo literario como del de los ladronzuelos, que no dejaban de tener bastante similitud, que si uno por tener dinero pagaba para ganar todos los concursos literarios de las cloacas y buhardillas adyacentes o que si otro por no tenerlo, procuraba llegar siempre tarde a todas las actividades culturales, con el único afán de ir a sociabilizar con periodistas y editores que le permitieran por fin ver su pensamiento, o la falta del mismo, publicado
pero aun más inquietante – dijo la más vieja – es lo que a raíz de la antología que actualmente realiza Jimmu Sheim, ha venido a convulsionar a críticos, escritores y lectores por igual, resulta que en su labor de investigación por la hemeroteca, en el ya desaparecido diario El Cerezo de la Adversidad por ser exactos, encontró dispersos algunos poemas de alguien identificado únicamente como Shumaro, en los que descubrió una ruptura de las formas convencionales a la vez que una profundidad inencontrables en los poetastros de hoy en día, por lo que inmediatamente lo catalogó de imprescindible en su antología de Los 100 mejores roedores de la poesía oriental, Shumaro era un tipo irrastreable, aunque a medida que se adentró descubrió que en los más viejos burdeles su nombre alguna vez había sonado, encontrar más poemas hasta hoy ha sido labor infructuosa, pero en una subasta de muebles y libros viejos alguien halló algunos datos en una anónima y enmohecida hoja; vivía en un seco y abandonado árbol, donde se aislaba por meses, incluso años, únicamente enviaba al mencionado diario de tarde en tarde algún poema, que éstos publicaban sin pena ni gloria, los intelectuales siempre lo vieron de reojo, evitándolo a toda costa, más por su aspecto físico que por sus textos, dicen en voz baja las lenguas más afiladas, hoy día podemos ver, con estupor quizá, que fue relegada una de las mentes más lucidas, claro, era un murciélago…
nunca hay que olvidar – interrumpió la más joven, mientras preparaba otras hojas de té – que los grandes escritores siempre escriben para la posteridad, el problema es que indefectiblemente terminan por morir de hambre, es por eso que la literatura es uno de esos, tan a menudo desafortunadamente, campos en los que alcanzar la mediocridad es estar en la cima

XXX.IV.MMV

funeral

2005-11-21T14:55:00.000-08:00

a una araña que desterré de mi boca
y la vendí disfrazada de poema clásico

una araña se suicida
en el tejado de un delgado rascacielos
invertebrado por el pasar de la tormenta,
el mundo, indiferente, continúa su marcha,
sus últimas palabras fueron:
“el problema no es
cuanto tiempo la vida nos dé,
sino cuanto tiempo
nosotros la soportemos a ella…”

una mosca fue la única
que veló sus lúgubres escombros,
vestida de funeral
la sepultó públicamente
en el Père Lachaise
frío como viento muerto,
rodeada de escritores,
rockeros, borrachos y prostitutas
sobre la marchita tumba
un símbolo de anarquía
a falta de una cruz convencional

la mosca emitió su discurso:
“efímera como el viento
a veces fábula y destiempo
otras embriaguez y pensamiento,
misántropa del universo
proscrita de las pestañas
de una sociedad famélica
despreciadora de su poesía,
desterradora de su fealdad
delito aun mayor que la estupidez
(en una sociedad como ésta)
pero quizá en el fondo
su alma no era
tan horrible como su rostro”

XXV.III.MMI